手绘技法基本

2024年2月20日发(作者：编写故事作文)

手绘技法基本1

手绘的基本学习方法

首先是临摹：

临摹别人的作品是最直接和有效地学习别人的经验、观察及表现的一种方法。临摹的时候要明确自己的学习目的和方向，而不是一味地临摹，临摹得相似就可以了,到头来也不知道自己在画什么东西。可以整体地去临摹,也可以局部地去临摹,着重形体、空间、表现技法上的学习。如学习塑造形体的时候,最好将临摹品和物体对照一下,观察分析别人是如何把握和处理形体的大块面及细节上的变化,哪些可以忽略,而哪些要深入刻画。一开始画手绘的时候,最好着重线条方面的训练,对形体的准确把握很有帮助。

其次是写生：

它是检验个人所学美术知识的基本实践方法,多去实践可以为自己的绘画打下坚实的造型基础。

在实践的过程中要注意一些事项：下笔之前，要对所画的对象感兴趣，这样才能全心投入地去观察，去认真分析所画对象的形体关系，准确地描绘形体结构。画时要注意整体关系上的把握，如明暗、主次等关系，不要被细节所左右。特别是要求快速表现的时候，画时也不要太过拘谨。

手绘技法基本2

1、临摹：

挑选优秀的效果图图片进行临摹。技法是一种技能，应该说好的艺术修养基础固然对学习手绘效果图有很大帮助，但是获得技能得最好途径好是多练习的。技能就像是学自行车一样，无他，唯熟练耳。不要被复杂的手绘图吓倒，其实，手绘作为技巧是可以掌握的，特别是作为自学的朋友，临摹是最好也是最快的学习方法和途径。

2、多加练习，还需要研读的功夫相配合，这样的临摹才可能凑效。

研读当然要选择优秀的效果图研究，简单地说就是没事的时候就拿过来看，每一次都会有不同的角度去研究，这样其实就是为了先练就眼高的本领。以往很多朋友在开始阶段喜欢加入自己的理解，随意杜撰一些表面的技法和效果，其实这并没有好处。因为一般看似简练的手绘图大都是熟于手绘者从真实空间、光影、色彩、质感等多方面汲取营养，概括浓缩的的结果。最好忠实于原作，也许开始阶段是囫囵吞枣的感觉，并不知其所以然，但需要守住尽可能接近原作的底线。通过认真研究“读”作者绘画的技法，透视构图处理，空间塑造方法，色彩的铺设，光影的处理等等，可以尽量从作者的运笔脉络上想象其作画的步骤和程序。总之研读就是拿来主义，这是一个提高手绘技能的法宝。

手绘过程中常遇见的六大问题

一、图案上的颜色不均匀，是因为下笔时轻时重，或者颜料太稠，建议您下笔时请保持力度一致，并在颜料里面加入适量的水份。

二、线条时粗时细，是勾线时力度没有掌握好，在勾线时力度要保持一致。线条时断时续，是颜料太干，请加适量水份调和使用。

三、绘画图案干后手感硬，一是因为颜料太稠，要加清水调和。二是在同一个地方重复过量涂颜料，注意在同一个地方涂颜料时请不要超过三层。

四、绘画图案的线条渗水走位，是颜料加水太多的原因，或者是笔清洗后没有擦干水，或者是衣服已经弄湿。

五、画错线条或涂错颜色时，不能急于用水擦拭，也不能马上拿去洗涤。颜料干后先用白色颜料覆盖过，白色颜料干后再补涂上正确的线条。

六 、客户在绘画时，必须要严格按绘影所标明的绘画工具一栏而选择工具作画。不能用水彩笔、水粉笔等非专业手绘笔作画，否则出现其他非正常的人为失败因素，绘影概不负责。

手绘效果图的用色问题

对于这个问题,很多朋友和学生都遇到的难题,而又必须要解决的.

我在我去年的<室内效果图快速表现技法>中曾提到过的.我在书中按工具把上色问题分为不同的要求的,那么在这里我再重新讲一遍.

1-----马克笔

马克笔由于其色彩丰富、作画快捷、使用简便、表现力较强，而且能适合各种纸张，省时省力，因此在近几年里成了设计师的儿。

初学者绘制这种表现图时，不妨参考以下几点方法

（1）先用冷灰色或暖灰色的马克笔将图中基本的明暗调子画出来.

（2）在运笔过程中，用笔的遍数不宜过多。在第一遍颜色干透后，再进行第二遍上色，而且要准确、快速。否则色彩会渗出而形成混浊之状，而没有了马克笔透明和干净的特点。

（3）用马克笔表现时，笔触大多以排线为主，所以有规律地组织线条的方向和疏密，有利于形成统一的画面风格。可运用排笔、点笔、跳笔、晕化、留白等方法，需要灵活使用。

（4）马克笔不具有较强的覆盖性，淡色无法覆盖深色。所以，在给效果图上色的过程中，应该先上浅色而后覆盖较深重的颜色。并且在要注意色彩之间的相互和谐，忌用过于鲜亮的颜色，应以中性色调为宜。

（5）单纯的运用马克笔，难免会留下不足。所以，应与彩铅、水彩等工具结合使用。有时用酒精作再次调和，画面上会出现神奇的效果。

衣服手绘绘画的小窍门

一、描线条时要根据图案线条的粗细和上颜色面积的大小而选择使用大中小号的描笔或油画笔。

二、绘画时，要在衣服中间放置一块纸板隔开，以免颜料渗色到衣服的背面。

三、在涂渐变层颜色的时候，若颜色未干时，不能涂另一种颜色。要等颜色干后再涂第二种颜色。这种做法是防止颜色反渗。但如果您需要的是这种反渗效果就请趁湿上色。

四、绘画时，感觉颜料较稠沾笔的时候，请在颜料里加入适量的水份或清洗笔后再重新涂色。

五、无论简单的或者复杂的图案，我们都建议先用粉笔或铅笔在衣服打好草图（打好草图后，用排笔轻轻扫淡些，保留痕迹为宜）这样可以避免出错，给顾客或自己带来损失。

马克笔的作画步骤及基本技法

马克笔的作画步骤及基本技法：1、准备 2、草图 3、正稿 4、上色 5、调整

1、准备。

要想画出一幅成功的渲染图，前期的准备必不可少。马克笔的一大优势就是方便，快捷，工具也不像水彩水粉那麽复杂，有纸和笔就足够了。纸我通常用两种：一种是普通的复印纸，用来起稿画草图，另一种是硫酸纸（A3），用来描正稿和上色。硫酸纸是我非常喜欢的纸型，实践证明，马克笔在硫酸纸上的效果相当不错，优点是有合理的半透明度，也可吸收一定的颜色，可以多次叠加来达到满意的效果。复印纸等白纸类的吸收颜色太快，不利于颜色之间的过渡，画出来的往往偏重，不宜做深入刻画，只适用于草图和色练习。笔也需要两类，针管笔和马克笔。针管笔以一次性的为好，我常用红环或三菱的，备几种型号，我喜欢用0.1，0.3，0.5和0.8，有了线型的变化画面才会丰富。一次性针笔在硫酸纸上挥发性好，线条流畅，注水的针笔或钢笔画出来干的很慢，很容易蹭脏画面。马克笔我喜欢用韩国产的"TOUCH"系列，油性，120种色，有方头和圆头，价格在十圆左右，水分很足，用起来很爽。作为专业表现，颜色至少六十种以上，做景观的绿色系列要全（我们老板只给我配40支，说已经画的不错了，要那麽多干啥，贼抠，让我愤怒）。当然，马克笔也根据个人喜好而定，但最好是油性的。

2、草图。

草图阶段主要解决两个问题：构图和色调，构图是一幅渲染图成功的基础，构图不重视的话，画到一半会发现毛病越来越多，大大影响作画的心情，最后效果自然废废啦。构图阶段需要注意的有透视，确定主体，形成趣味中心，各物体之间的比例关系，还有配景和主体的比重等等，有些复杂的空间甚至需要借助CAD来拉出透视，尽量做到准确。关于构图的基本法则很多专业书上都有详述，我就省点口水吧。

色调练习对初学者来说相当有必要，可以锻炼色彩感觉，提高整体的概念。把勾好的草图复印几个小样（A5就行），快速上完颜色，每幅20分钟左右，每幅都应有区分，或冷调，或暖调，或亮调，或灰调，不抠细节，挑出最有感染力的一幅作正稿时的参考，在这两个步骤完成后，心中对最后的效果应该有七八分的把握了。

3、正稿。

在这一阶段没有太多的技巧可言，完全是基本功的体现，如何把混淆不清的线条区分开来，形成一幅主次分明，趣味性强的钢笔画。我通常从主体入手，用0.5的针笔勾勒轮廓线，用笔尽量流畅，一气呵成，切忌对线条反复描摹，然后用0.3的笔画前景的树和人物，最后用0.1的画远景。先画前面的，后画后面的，避免不同的物体轮廓线交叉，在这个过程中边勾边上明暗调子，逐渐形成整体，前景中对比，中景强对比，背景弱对比。前景的人物刻画要准确传神，动态协调，背景人物基本上可以用点和面代替。在上图中张拉膜是主体，右边的两棵树作为主体的补充，起到平衡画面的作用，再加上几组人物和宽阔的水面，形成一处宁静详和，生机盎然的住区景观。如果对明暗调子把握不准的话，可以只对主体部分做少量的刻画，剩下的由马克笔来完成，马克笔的表现力也足以主宰画面。

4、上色。

上色是最关键的一步我喜欢把大部分颜色上在硫酸纸的背面，这样做一是可以降低马克笔的彩度，过于鲜艳的颜色可能使画面过“火”，大面积的灰色才能使渲染图经久耐看，另外，背面上色也不会把正稿的墨线洇开，造成画面的脏乱。以上图为例，我先从天空入手，用浅紫灰色画最远处的，然后是浅蓝灰，最上面是蓝色，画天空时不要太多的停顿，几种色之间的衔接要快，迅速溶到一起，并在适当的地方留出云形，笔触不能太强，以免呆板。天空在画面中占三分之一还多，作为补充，不宜过多刻画，避免喧宾夺主。初学者如果没把握的话，可先用描图纸多作几幅单独的天空块，挑最有感觉的用到正图上去。接下来是水面，颜色尽量和天空保持一致，可以再稍灰些，然后再上树木的颜色，背景的冷灰，偏蓝绿，对比弱，分出明暗就可以了，前面的偏暖，对比强，有一定的细节，颜色更加丰富。地面和草地的颜色上完，画面气氛基本形成，下一步就要做深入刻画，浅浅的一层颜色并不能表现出物体光影，明暗，材质的变化，这就需要不停的叠加来达到更佳的效果，硫酸纸将显示出优势，在这一过程中，我开始利用正面刻画一些需要重点表现的地方，如主体构筑物，前景人物，石头，在画膜结构时我有意把后面的树木画暗些，衬托出来，用重色刻画暗部和阴影，几次重叠以后，预想的效果基本就达到了。这一过程也是经验积累的过程，哪些颜色叠加到一起能产生好的效果必须要记住，随时做记录，以便下次画相同的场景时驾轻就熟，事半功倍，很多颜色忌重叠，如补色，很容易画脏画乱，不好修改。

一个基本的原则是由浅入深，一开始往死里整，修改起来将变得困难，在作画过程中时刻把整体放在第一位，不要对局部过度着迷，忽略整体，后果将惨不忍睹，“过犹不及”应该牢记。

必须值得注意的是，上色过程并不是要把树画的多绿，水画的多蓝，也不是说笔法用的多漂亮，潇洒，重要的是画关系，明暗关系，冷暖关系，虚实关系，这些才是主宰画面的灵魂，大自然的一切受着环境的影响，并不是孤立存在，关系没画准，只能说是一堆颜色的堆砌，而不能称为一幅成功的渲染图，对比是画准这些关系的手段。在画的过程中还要学会分析思考，例如我们印象中树应是绿色，实际上在光线和环境的影响下，亮部可能偏黄绿，暗部偏蓝绿，甚至还有一些紫色，只有小部分是本身的颜色，我们画时要把这些微妙的关系表现出来，有几次我尝试不画蓝色的水面，竟取得了意想不到的效果，细心留意现实生活中的物体，会发现许多和想象不一样的结果。

5、调整。

这个阶段主要对局部做些修改，统一色调，对物体的质感做深入刻画。到这一步需要彩铅的介入，作为对马克笔的补充，彩铅修改我一般不会超过十分钟，因为彩铅和我钟爱的硫酸纸附着效果不好，只能薄薄盖一层，画多了容易发腻，反而影响效果。

一、学习手绘表现图（效果图）途径篇

提示：手绘速写、室内、建筑、景观、工业、展示、动画等都是需要手绘表现，不要把专业分的太清，因为技法是同源的。

1、临摹：

挑选优秀的效果图图片进行临摹。技法是一种技能，应该说好的艺术修养基础固然对学习手绘效果图有很大帮助，但是获得技能得最好途径好是多练习的。技能就像是学自行车一样，无他，唯熟练耳。不要被复杂的手绘图吓倒，其实，手绘作为技巧是可以掌握的，特别是作为自学的朋友，临摹是最好也是最快的学习方法和途径。

2、多加练习，还需要研读的功夫相配合，这样的临摹才可能凑效。

研读当然要选择优秀的效果图研究，简单地说就是没事的时候就拿过来看，每一次都会有不同的角度去研究，这样其实就是为了先练就眼高的本领。以往很多朋友在开始阶段喜欢加入自己的理解，随意杜撰一些表面的技法和效果，其实这并没有好处。因为一般看似简练的手绘图大都是熟于手绘者从真实空间、光影、色彩、质感等多方面汲取营养，概括浓缩的的结果。最好忠实于原作，也许开始阶段是囫囵吞枣的感觉，并不知其所以然，但需要守住尽可能接近原作的底线。通过认真研究“读”作者绘画的技法，透视构图处理，空间塑造方法，色彩的铺设，光影的处理等等，可以尽量从作者的运笔脉络上想象其作画的步骤和程序。

总之研读就是拿来主义，这是一个提高手绘技能的法宝。

没有手绘基础学建筑专业手绘经验我们很多同学不是因为爱好这个专业而选择的这个专业，而是因为学校调剂的原因上的这个专业，有的同学就没有手绘基础，大一的时候还看不出来同学之间的差距，大二的时候这个差距就显现出来了。

而且越来越大，到大3下学期的时候学习好的同学就完全可以给学习不好的同学当老师了。到大三才意识自己失去的太多了。

所以大一的学生，如果这个专业不是你最想学的，但是又走到这一步，你所做的就是---“好好学，我也能够成功。”

手绘是建筑师必备的，因为手绘能够很好的表达建筑师的思想，试想如果一个建筑师有再好的想法，但是没有一点作图的功底，是不是茶壶里煮饺子呢？

我们多数学生经常犯一个毛病就是-“只看不画”，这种习惯就象只看字帖而不临摹一样很难成为书法家，或者只是多听著名音乐也不可能成为音乐家的道理一样。

建议：

1、看到能够令你感动或者产生创作冲动的图片时，马上在专用的速写本上进行抄录、临摹及分析。

这里重点是尽量用画来表达而不是文字，久而久之就熟练地掌握了图解思考的方法并成为本能啦。

2、低年级的学生重点是多多临摹和抄录。方法是把书上的平立剖和透视、轴测图按1:100或1:200比例放大了画，如果有不清楚的地方则靠自己分析，这样很快就会形成自己大脑里的“资料库”并形成尺度感。和书法一样，没必要把上万个汉字都临摹至熟练掌握，因为汉字的组成是有规律的，当你练熟练100个左右（甚至30个左右即可），一般就可以推而广之啦。 中国手绘设计网

3、高年级的学生则可以多注重分析了。比如设计背景、环境、条件、过程，轴线、中心、等级、秩序、序列、尺度、材质、中标原因等等甚至设身处地设想如果自己接到这样的设计任务会如何操作，及设想业主和老百姓会如何看待这个设计。

4、即使是临摹照片（改成速写）也会大大加深对建筑的理解。临摹照片时一定要注意：不要面面俱到， 而是重点刻画最让你感动的地方，一定要有取舍有重点，因为你不是照相机而是设计师。不要强求必须如何的象和如何的准确，重要的是通过画的行动去理解、去感受、去分析，因为你是设计师而不是画家。

5、因为学生其实都是精力充沛、理解和分析能力很强、正是学习和掌握技能与知识的大好年龄，所以如果集中精力练习3-6个月（并不是起早贪黑那种辛苦地苦练，而是每天一点的持之以恒即可），肯定会明显觉得自己象换了一个人那样产生明确的进步。

目前多数学生的最主要的问题是每天“自觉地”让焦虑、紧迫、怀疑、忧郁、自责、指责、愤懑、自卑、自大等等不良本能占据了大量的大脑的使用，只有很少的脑细胞在做实际和积极的事情，想想看，不是么？呵呵。

30岁以前做了再想，30岁以后想了再做。现在开始行动，只需一天练习一个字的写法，一天一张速写，一周一张效果图（只找3-5个小时就能画完的那种范本或画法）即可，好吗？

手绘自学宝典之--问题篇

1、不作为

在电脑越来越多地应用于设计领域的今天，我们越来越深地陷入不作为的泥潭。

大多数设计初学者拒绝速写训练、拒绝手绘训练，并且振振有词地引入电脑作为论据。一切都等待电脑解决，一切都用电脑作借口。

大学里这种情况最为严重，很多学生到了高年级才发现自己依然做不出心目中的理想方案，其痛苦可想而知。

这些学生毕业了才发现专业的设计单位初期方案都是手绘草图打先锋，而电脑大多是制作员的工作，于是追悔莫及、亡羊补牢。与此同时，低年级学生则仍旧全然不顾老师、师兄的劝告，我行我素地幼稚地使用电脑，结果却是成就了一批电脑游戏高手。、哪个更重要经常有人问这样的问题：“手绘重要还是电脑重要？”这种把一个系统中的要素对立极端化的现象非常普遍，包括“平面重要还是立面重要？”、“形式重要还是功能重要？”“设计重要还是表现重要？”等等。这就象“男人重要还是女人重要”这样的问题一样可笑，因为都是同样重要，因为都是一个系统内的有机组成部分。

现在我来回答“手绘重要还是电脑重要”这个问题：电脑时代，我们必须熟练掌握手绘和电脑并根据各自特点有机融入设计过程！

3、谁在说手?*抻?/P>

谁在叫嚣“手?*抻谩蹦兀可晕⒌鞑榫突嶂溃蠖际腔竟Σ睢⑹只婺芰θ酢⒎桨改芰Φ汀⒉磺诜堋⒉豢炭唷⑾不兜ゴ克伎加?BR>评论的学生及业余设计师。、个人观点：张永和先生是另一种极端的例子，一方面讽刺挖苦现在的手绘训练，一方面在他在美国获奖的学生竞赛作品中体现着他很强的手绘基本功与修养，这种言不由衷的行为对很多初学者造成了严重的误导。

4、手绘与效率

很多初学者认为手绘速度慢，不如电脑快捷。实际上这是典型的误解，因为比较熟练的设计师绘制一张与业主交流用的速写草图一般只需15-30分钟，而相对正规的效果图只需1-2小时。如果只依赖电脑，那么从开机到打印出图，需要的时间不见得比手绘短。何况在与业主面对面交流的时候，怎么可能说“等我回去用电脑做”呢？这时另一个设计师早就画出草图与业主交流完毕拿走项目啦！

很多初学者认为电脑便于修改，手绘则难以修改。实际上这又是典型的误解，因为专业设计师经过训练后，画图是不出错的，不出错何来修改？即使出了错，也有很多方便的补救措施，因为行之有效的画法本身就是为了使得修改不成为障碍而研究出来的。

手绘技法基本3

色彩感觉能力的培养——水粉静物写生的随想

要画好水粉静物写生，你首先应该注意的是培养自己的色彩感觉能力，因为只有感觉到的东西，才能被准确地表现出来，水粉静物写生也同样如此。

从美学角度来看，描绘静物是人们对日常生活物品审美需求的反映。静物画题材非常富于绘画性，有着独立的艺术欣赏价值。另一方面，它在绘画基础训练中又有十分独特的地位。如果说素描是造型艺术的基础，那么色彩静物写生就可以被视为色彩训练最基本的手段，学生们可以在光色相对稳定的画室里，较长时间进行深入的写生练习，从容地观察各种光影现象和色彩关系，研究各种不同物体的固有色，在不同情况下的光源色、环境色中的变化。还可以根据绘画者自身的要求和需要，任意选择对象并随意组合相应的静物内容和主题，从而组织出一个从造型到色彩都符合练习要4求的画面。所以水粉静物写生常作为各类美术院校或专业入学考试（色彩科目）的主要内容，并被列为绘画基础课的主要训练内容之一。

既然是水粉静物写生，必不可少地还要结合技法的运用来谈。事实上，水粉静物写生的技法有着相对的灵活性和多样性。如上篇所谈到的，它既可以借鉴油画的塑造手段，又可依据水彩画的表现技法，还可以将两种方法兼容并用，这就形成了水粉画在表现色彩时所具有的优势。它为人们理解和掌握色彩关系及其变化规律，提供了较为灵活和便利的条件。水粉画又有其特殊的问题，如容易出现的脏、灰、粉、生等毛病，对初学者，甚至对有了一些作画经验的人，都是很难解决的。产生这些现象的原因，有技法问题，同时也有观察方法的问题，然而主要问题多是由于作者对客观对象所产生的色彩现象缺乏一定的理解。比如，把一块很漂亮的颜色，放到一幅和谐的色彩画中去，也可能会显得脏。一块在这幅画中看起来似乎很暗很脏的颜色，放到另一幅画中却显得十分漂亮。这个例子，稍有绘画经验的人都能有所体会，关键问题就在于需要我们要用色彩关系及其变化规律的原理去理

解、分析和表现客观对象的色彩。

那么，什么是色彩关系及其变化规律呢？我们都知道，自然界任何物体都存在于一定的空间之内，相互联系相互制约。色彩也是如此，任何有色物体也都存在于一定的空间之内，它们的色彩也必然与周围邻接的物体相互影响相互制约，从而形成一定的关系，这就是色彩关系。它的变化规律就是固有色与条件色的对立统一规律。

如在我们的静物写生中，常可看到这样的现象，被描绘出来的苹果，由于过多地注重条件色对其固有色的影响，使本来颜色很鲜艳的苹果，画出来后给人的感觉很脏很烂。还有在描?*锾迨敝蛔⒁饬似涔逃猩鍪恿颂跫

运挠跋欤说母芯鹾?BR>像此物体不是放在这个特定环境中的物体。以上两例所描绘出来的物体都给人以不典型、不生动的感觉，原因多在于缺少用色彩

关系及变化规律的原理去理解和分析对象的色彩。

因此，理解和掌握色彩关系及其变化规律是至关重要的。它能使我们观察色彩的能力得到提高，表现出来的色彩也就会真切，同时也会使我们在色彩写生和创作中占有主动权，免于被动地模仿对象的颜色，而是按照客观对象在一定的条件下所形成的色彩关系进行描绘，也就是我们常说的画画是画关系，而不是画东西。在静物写生中还应引起我们注意的是有些质感特殊的物体，如瓷器、金属制品，它们对光源色及环境色的反射能力很强，它们所反映出来的光源色和环境色有时与被反映的物体的颜色几乎没有什么差别。还有一些如陶制品、木制品类的物体，它们对光源色及环境色的反射敏感程度很弱，有时很难辨出其受光源色及环境色的影响。这就需要我们对反射能力极强的物体要找出其固有色的因素，反射光色能力弱的物体寻找出其光源色及环境色的成分。

总之，要求我们对待具体问题进行具体分析，避免只靠感觉作画。这里需要说明的是，只靠感觉作画有时也可能画得很好，但只限于写生，离开了具体对象你将束手无策。此外，单凭感觉作画常不能排除不必要的光源色及环境色对物体的影响，画面常出现色彩凌乱、光线不统一的感觉，因此，单靠感觉作画对我们来说是不可取的。

但是，感觉又是非常重要的，因为我们看到的客观对象所反映出来的色彩是十分复杂的，我们不可能像计算机那样准确测算出其固有色与条件色之间相互影响的程度，只能靠我们的感觉去判断。因此，这就需要我们努力锻炼并培养自己准确判断这种色彩相互影响程度的能力。需要说明的是，这种感觉是加进了理性的感觉，也是从感性认识—理性认识—感性认识的过程。

水粉画技法-静物写生

静物写生

静物画可以是创作性质的，也可以是习作性质的。前者是创作的一种体裁，即通过静物的题材反映一定的主题思想。如有一幅题为《战士的遗物》的静物创作，把阵亡战士在战争生活中使用过的，并留有战斗痕迹的遗物——钢盔、背包、水壶等组成静物，使观众看了后对于为国捐躯的年轻战士，产生了深切的怀念与崇敬的爱国主义情感。作为水粉画基础学习的静物写生与创作不同，它是一个具有教学与研究意义的课题，主要是为了达到对水粉画性能的了解，对工具的熟练掌握和色彩规律的运用，它是一种以技法的训练为目的的教学活动。静物写生的内容、进度与要求必须以拟订的教学计划为依据。这是静物写生与静物创作在

性质上的区别。

一 如何组织静物

(1)静物写生中，应特别重视的是设计与布置好写生的静物，这除依靠教师在这方面的经验和修养外，还必须要有充分齐全的道具、设备，包括造型完美、形状大小和色彩、质地不同的种种器物，以及色相、纯度、明度、冷暖、质地不同的大小衬布等等。设计并布置好一组具有艺术构思的静物写生，必会激发学生的学习兴趣和热情，从而有利于获得更好的教学效果。

(2)摆设色彩写生静物，首先是确立主题，然后选择好符合主题要求的各种器物。主题即一组静物的中心内容。一组静物不可能包含太多太杂的内容，尤其不能把意义上没有什么联系，形式上不相协调的物品拼凑在一起。内容与形式上的统一是组成写生静物的重要原则。如果以农家生活有关的物品为主题的静物，选择瓜果蔬菜、农家的日用陶器、蓝花瓷盆和斗笠围裙等组成静物，可以产生质朴的田园风味和乡村情调；如果用牛奶面包、玻璃杯盆、刀叉餐具、酒杯瓶子和咖啡具等组成的静物，就会联想起西方人的饮食风貌。两组不同的静物，所选用的器物内容，与不同主题是密切联系的。如在前一组静物中放入咖啡具、刀叉，后一组静物中放入一个南瓜，就会牛头马嘴极不协调。所以组合静物，先要明确主题，选用有关器物，再依协调的形式法则进行布局，使整体

统一而具有美感。 摆设静物，经常使用的日用器皿和其他物件，大多是经过实用美术家根据实用和审美的要求，通过造型和装饰设计出来的。它往往反映出不同时代、不同民族和不同地域人民的生活习俗，审美情趣和艺术风

格。如有古典的、现代的、东方的、西方的不同特色。

在风格上，有典雅古朴的、简洁单纯的、饱满庄重的、轻巧优美的、瑰丽精致的等等。在组合静物时，不能忽视这些特点，应该尽量通过选用的器物和色彩、构图等手段，充分显示出不同的格调。摆静物还经常需要临时去购买些新鲜瓜果、花卉之类的物品作为

静物的主体物。选购这类瓜果，要考虑形状、色彩是否符合写生要求。水果一般圆形的较多，为了避免形的单一，可以搭配香蕉、葡萄等不同形状的品种，以取得更好的效果。农产品中的南瓜、西红柿、茄子、红葱、萝卜、玉米棒和蔬菜，以及水产品中的各类鱼、蟹，都是非常好的写生题材。当然，新鲜的物品，写生的时间长了，就容易变质，需要中途调换，可先把容易变质的物品先画好。

(3)摆设静物时，首先要确定构图的基本格局，先确定主体物中较大的器物的位置，一般较大的器物在构图中是一个重要的因素，它本身也是画面组成的一部分。从美的角度看，它的位置不能摆放到左右完全成均衡状态的正中，以避免呆板的弊病；如果摆到画面的太靠边处，则容易使构图产生不稳定感。各种器物的配合，不仅大小要不同，外形也应该有方、圆、竖、扁的造型区别；为了安排器物的变化，也可以将器物倒下安置，与直立的形成对比关系，也会有别致的对比效果。器物在组合中，大小的选择，横竖的放置应十分讲究，构思摆设是多样的。三角形的格局最为普遍，因为三角形在视觉上最能产生稳定效果，其他可以有左右展开的横式构图，也可有上下展开的竖式构图等等。不论设计什么构图格式，都要考虑稳定、新颖、生动、不落俗套。

(4)放置器物要有主次、疏密关系，即一些物体应放得集中，让物体前后有部分的遮挡，以显示物体厚度与深度的效果。主题的中心部分，一般都放得比较集中。另一些器物，可以放得疏离分散一些；物体放得过分集中，器物之间没有适当的空间，就会感到不松动，产生闭塞感；相反，如果放置得没有相对的集中，器物之间似乎相互不呼应，或主次不分、构图松散、平淡，形不成画面中心。构图的疏密，是使画面产生节奏美感的因素之一，所以摆设写生静物，对每个器物的位置、上下、左右、前后互相间的距离应进行反复推敲，力求达到理想完美的布局效果。

(5)差不多所有的器皿，如瓶、杯、碗、壶、盆等，都是口子朝上的，如果摆设多个这样的器皿在同一个构图之中，应考虑把其中一个横倒放在合适的地方，形成不同朝向的对比变化，使其不会产生单调感。苹果、梨、瓜等，同样也有朝向问题。朝向的变化，与构图是否分散或集中和构图的生动性都有关系。在静物摆设中，经常使用瓷盆放置果品，这瓷盆可以平放在桌面上，如果摆放稍有斜度，朝向构图中心，器物之间似乎更有呼应与联系，增加生动效果。

(6)摆静物除考虑形状和位置外，还应考虑这组静物的基调，基调有华丽的、朴素的、粗犷的、浓艳的、淡雅的、端庄的、典雅的、辉煌的、深沉的、热烈的、苍凉的、活跃欢快的、洗练单纯的等等，这些基调表现出符合不同主题内容的情调。从色调上来说，有深暗的、中间调的、明亮的、暖的、冷的、鲜艳的、灰暗的等各种不同色相的调子。写生练习的静物应该是根据静物的教学意图来考虑，安排各种不同内容、情趣和有色调变化的课题来作练习，以便全面获得色彩表现的技能。

(7)不同形状、质地的器物，衬布的皱褶，都具有不同性质的线条：直线、曲线、斜线，粗细长短不同的线、刚柔虚实的线……这些线表现出形体的结构，也形成了整个画面结构中的对比，产生一定的表现力和形式美感。塞尚的静物布局，常用具有圆弧线的器物构成主体的中心，如瓶、盆、水果、花卉、衬布，而在背景或桌面的一角，总处理几根平行或垂直的有力的直线，与主体物形成对比，以加强效果。并使画面具有稳定感和突出主题的作用。线在画面的形式构成中，是一个十分重要的因素，在布置静物时，在习作中是不能忽视的。

(8)为使主题鲜明醒目，陪衬的环境与衬布的摆设是十分重要的。环境中器物的形体、色彩、线条等，都要根据与主体物的对比和谐调的关系来考虑。主体物如果是色彩鲜明，对比强烈，背景如采用单纯统一的色调，主体物会更加突出；反之，主体物如果色彩比较单纯统一，使用鲜明复杂的背景来陪衬，也可使主体物突出。如果追求整个画面单纯、文静、朴素、幽雅的效果，背景可以布置与主体物较统一的色调。总之，要有一个色彩基调。写生的初级阶段，背景宜简不宜繁，可使用颜色单纯的衬布，布纹易简，也可以不要布纹。如使用白色、有冷暖倾

向中灰色调和深暗色调的衬布，都是比较适宜的。如果安排程度比较难一些的组合静物，可以使用有花纹的复色衬布，并可有复杂的布纹变化，其目的是学会处理复杂的衬布背景与主体的正确的主宾关系。

在静物中，经常使用衬布作为背景，这是由于衬布可以有各种质地、色彩和纹样，在摆设时使用随意，有艺术效果。衬布除作为陪衬主体物外，还可以摆设得非常美，它的形状结构，皱褶中线条的疏密穿插，对整体效果起很大作用。如塞尚的静物画中常采用的白色衬布放在桌面与主体物紧密结合在一起时，它的形状、结构、线条，很有韵律感和艺术美。

(9)采光问题。物体通过光的投射，使摆设的物体能自然地统一在一起，成为有机的组合体。因此，静物写生如果光源多，光照的效果容易散乱，是不宜采用的。最理想的是采用比较集中的朝北的天光，因为北窗的光线十分稳定，静物的形体色彩明确，对写生很有利。如果采用朝南光源，虽明亮，但如遇阳光投射，光照会因时而异，且变化很大，使静物明暗、色彩不稳定，导致在写生时不易捉摸。灯光如果稳定集中，只能反映灯光照射的特定色感，由于灯光的色光有局限，对物体的色彩显现不全面，而且在灯光下，物体的背光部及投影部分，调子浓黑，很难区别色彩。如作为特殊的要求也是可以采用灯光静物写生的。

(10)静物的摆设位置一般都比较低，这是由于静物只有大大低于作画者的视点，才能使静物台上的主体物充分显现在眼前，且可获得较完美的构图。由此，大多数静物构图的视点，都不在画幅之内。如果摆设静物的台过高，那就会产生物体都集中到一起，器物互相重叠，物体与物体之间的疏密空间关系就不明显，这样不仅使画面布局困难，最后的画面效果也是不好的。在美术院校，有专门设计的静物写生台，它的高度约25厘米左右，这是符合静物写生要求的。作为写生者，自己也应注意这个问题，看看自己坐着画还是站着画，哪种构图较好。如画瓶花，或画挂在墙上的物体，情况又是不同的，因为瓶花与挂着的东西是竖立的物体，放得太低反会变形不自然，难于显示美的形态。竖式物象比较适宜直式画面来表现。

(11)一组静物，要求能使多个角度都能获得好构图，这是一个比较困难的问题，在美术院校教学中，就会遇到这个问题。所以教师经常需要多摆几组静物提供选择。另外，在写生时由于角度的不同，某些角度的构图可能并不理想，在作画构图时，可以在原来的基础上，将器物的位置作适当的移动，或添加删减某个物体，为使构图完美，这是必要的。

摆设写生静物，是一个具有教学、科研意义的学术性课题。从教学的角度看，它往往可以体现一个教师的教学经验和专业水平，静物摆设得好坏，可以影响学生学习的质量。一组好的静物，不仅能激发学生写生的****和热情，而且可以提高学生的审美能力，如果静物摆设内容乏味，构图平淡，色彩杂乱或单调，就会使学生失去学习的积极性，达不到写生的目的与要求。一些自学美术的青年，由于学识与经验的局限，在摆设静物时，要达到一定的专业水平是困难的，但如果能充分发挥象力与创造性，也是可以在实践中逐步掌握的。这里推荐部分画家的静物画构图图例(图8一图25计18幅作品)，可作参考研究。

谈色彩静物写生

静物的色彩写生，是绘画教学中了解掌握并运用色彩学造型的基本课程之一，是对绘画色彩的具体实践。由于静物放在那里，它是静止的，有一定的空间，便于我们去观察、分析、认识、研究和把握。因此，静物的色彩写生对初学者训练基本功、锻炼观察方法和表现方法，理解色彩造型规律的最佳对象。静物画也作为一种独立的描绘对象，在欧洲有许多大师都画静物画，象塞尚、凡高等终生致力于静物画的探索，留给了后人许多不朽的惊世之作，静物不光是训练课题，也具有无限的艺术创作空间。如果从这些大师的作品和经历去感化学生，那么学生也能主动地去研究和创造，奠定坚实的根基。

首先，让学生主动参与静物的放置，对教师安排这一堂课的课题设计有透澈的理解，掌握这一堂课的要求和意图。对于素描造型而言，要求表现出形态、质感、空间组合和构图循序的差异。就色彩的意义上看，要注重用色彩去表现素描的要求，还要注意色彩的情趣、色彩的对比与和谐，包括色调、色块面积布置，色彩构图安排都应考虑在内。整体和谐的色彩格调，鲜明的色彩感受提示是静物设置的重点。由此形成感性认识，引导色彩思维路向，最大可能调动学生视觉感觉。在色彩写生练习之前，先让学生掌握色彩的基本知识，注重由明度对比训练的黑白灰向色彩的转换预习，并注意由炭、铅笔等向色彩画专用笔的工具转换练习。强调对色彩的感受如何是色

彩静物写生这一审美过程成败的关键。因此，在掌握了色彩学必要的知识前提下，对色彩的感受性，是色彩写生的动力。当然，在观察色彩静物时，每个人的感知过程与其所掌握的审美情趣，对色彩的认识，所表述的色彩语言分不开的。能否启发学生独到的色彩发现及对色彩的审美灵性是静物色彩写生的主攻方向。对色相、明度、色彩冷暖的理解及画面组合方式的训练，以及对工具熟练运用，则是调动学生感受色彩，挖掘审美潜能的媒介。整体认识、整体观察、整体比较是通向领悟色彩规律真谛的渠道。写生的过程并非仅仅会描绘客观对象。而是一种思维方式的培养。是以较正确的方法发现、体会，表达色彩的整体感受，为培养学生的创作意识提供可能的条件。一幅好的作品，应具备①要有总的色彩情调，即一幅画的色彩基调。因为色彩画的核心是表现色彩的情调，不论怎样千变万化，都要纳入总的基调中来。②要有大块色的对比。对一幅静物画，主体与背景就是两大块。只有处理好大块色，这幅画才会响亮、鲜明、生动。这个对比，既要注意明度（黑白灰）对比，更要注意色相、色性上的对比，尤其要发现对比中的补色关系。③要有色彩的变化、呼应。这个变化是大的关系、趋势上的变化，比如静物背景的衬布，要注意从前到后，从左到右的变化。同一物体，注意不同部位的变化。主体与背景的呼应主要体现在暗部的反光面上，一般环境色（条件色）都反映在主体的暗部。同时要注意画面色块的呼应，达到画面的平衡。有了这种变化，色彩才会丰富、和谐、有节奏感，才会使对比的大块色协调起来。④要有刻画精到的细部。要在画面中，选取关键的细部，精雕细刻，只有这样，这幅画才耐看，在造型、质感及表现技巧上才给人以观赏上的满足，才使这幅画具有深度。学生有了这个尺度，在看别人画时，能分辩出优劣，才能学到别人的长处，看自己的画时，才会发不足、不断改进。

每一张作业时应从"小色彩稿"开始着手，迅速地在小幅纸画上将感受的色彩、生动地表达出来，解决色彩的组合关系和整体构图安排，并可以不断调整角度达到理想的组合为止。这种小稿训练，对色彩的第一感受表达出来。在这一阶段的练习中，注意大色块的整体感受，并强调平面化的色块结构，及其对比和呼应的关系，注意整体色调的和谐以及由此而产生的色彩情感的属性。要求学生多画些小色彩稿，画出同一静物在不同角度、不同效果的色彩稿，调整感觉，并运用色彩知识增强想象力，从而不断完善。

"小色彩稿"定型后，就开始画"正稿"，要保持小色彩稿时的新鲜感受，强调迅速的、鲜明的整体感受。在把握色彩的同时，要注重形体刻画，要把握好色彩与形体的关系，在作画过程中，每个阶段有所侧重。①起稿阶段：这个阶段的任务是解决好构图比例、结构造型。总的讲，就是解决形，起稿可用单色画线，但是所用的单色，一定要考虑到对以后画面的作用，用与画面色调协调的色或对比的色都可以，但是不要太浓、太艳。因为用很浓、很艳的色线对下一步布置大色会有干扰。这个阶段，用的时间不要过短，一定要沉稳的进行，做得从容充分（如果全过程用三个半小时，这一段可用20-30分钟）。②布置大色阶段：这一阶段重点是解决色的问题，因为在起稿阶段已对形有了把握，所以这个阶段可放开胆子铺色，眼观全局，大胆落笔，要迅速、果断地把大的色彩关系布

置上去，在上每一部分颜色时不要犹豫，尤其是对这块色的对错还拿不准时，可先不去理会，等其它色块都上去了，再做全局性的调整，因为色彩是相互依存的，只有在构成整体关系时才能认定是否适当。这一阶段切忌局部的过多变化，一切都是大的。大的色块、大的变化，至于局部的具体变化可放在下一步。这一段是全过程中最关键的一环，它决定画面的基调及大块色的分布，这一步做得好，就使这幅画有了成功的基础。这一段用的时间可在60分钟左右，不宜过长。在补色时，即使破点形也不怕，因有了形的根基，下一步再收回来也不难。③深入刻画阶段：这一阶段是形色结合的，在抓住重点的局部深入刻画时，要笔笔落实，形色都要具体，这就要求观察要深入具体，要看到细微的形体关系及细微的色彩变化。这一阶段要有重点，不可面面俱到平均对待，要善于保

留在大关系阶段可取之处，不要做大的全局性的改动，不要做否定性的覆盖。要在调整中深入，不断的充实大关系，防止破坏已形成的大关系。这一段可用一个半小时。④结束前的调整：在接近完成时，要离开画面站在远处，审视自己的画，发现必须调整的毛病，比如在画面中哪些地方画弱了、可加强，提线。哪些地方画多了，可减弱……使画面更完美、生动。这一阶段可用30分钟时间。这一阶段基本上是大局已定，改动调整，一定要慎重，不可大动。作画的原则，就是整体地推进、比较进行。"整体"并非这一笔、那一笔地去画，而是要画此顾彼、画此为彼，彼此间相对比、相联系。因此，整体是由物体之间相互比较调整而得出的。在此特别要指出是整体的色彩观察及表现是基于整体的造型因素基础之上所体现出"色"、"形"不可分的道理。

在静物色彩写生课中，教师是至关重要的，教师不是从理论上教会学生，而应在课堂中和学生一同练习，教

师在每一堂新课要示范，让学生了解和揣摩。这对学生是颇有益处的。通过和学生共同写生，就会及时发现教学的难点，并示范以解决，而对于学生不懂之处的提问，以自己的作画过程给以回答，整堂课中师生同画，会使教学收到意想不到的成果。学生的积极性也会大大提高。当然，在这一过程中，教师应通过不断地学习，更新知识，扬长避短，不断自我完善，才能使教学更加理想如何获取色彩静物写生高分色彩静物写生是目前我国各高等艺术院校美术专业入学考试的必考科目。它与素描及创作（设计）共同构成三块最为主要的专业的水平测试内容。那么，如何才能获取该科目考试的高分，自然成为每个考生非常关心的问题。

这里所说的如何获取色彩静物写生考试的高分，并不是提示考生如何去取巧，而是把色彩静物写生这一科目的核心要求以最为简明清晰的条目形式向备考的学子们进行介绍，使考生廓清思路，能在相对较短的时间内，掌握色彩写生的基础知识和表现方法，缩短和减少盲目摸索的时间，从而使考生的学习成绩能快速提高，在高考 考生若要获取色彩静物写生的高分，首先必须明确高等美术院校入学考试中，在色彩知识和技能的学习方面所应掌握的与该阶段相关的核心内容，避免进入误区。考生的色彩写生入学考试成绩是与高考入学的几个主要评定标准密切相关的。考生临场的一些非规定性的发挥，往往容易造成评分教授们的争议，从而使获取高分的可能化为泡影。在高考入学考试阶段，考生应该出色地完成考试规定性的要求。也许有些考生会产生误解，是不是让所有的考生都按规定的方法画成同一个样子呢？当然不是。绘画是强调个性的，每个人田于气质、性别和年龄的差异，当他们在面对自然界的物体进行写生时，会表现出一定的个****受的差异。但无论每个人的感受差异程度如何，作为高考入学考试，他们在色彩静物写生中所必须遵循的基本规则是相同的，即以写实的手法准确地表现物体的形体关系，在画面的构图安排、色调把握、质感表现等方面发挥和展示自己的才能。那些优异的表现者，将获取高考色彩写生的高分。

色彩评分的标准是评定考生色彩写生考试成绩的根据。明确与色彩写生的标准相关的核心内容，对考生的色彩学习和训练是至关重要的。具体来说色彩写生评分的标准主要有以下几个方面：

构图我整妥贴

形体塑造准确概括

画面色调明确

主次、前后空间关系正确

各类物体质感鲜明

以上这五个方面体现了一幅优秀的色彩写生必须达到的基本要求，也是对有志于进入艺术殿堂的学子们基础造型能力的考察

和检验。

要想快捷而熟练地掌握色彩写生的基本技巧，必须理解和明确色彩的基本原理，特别是色光现象及其规律在绘画技巧中的体现和运用。为此，我们在以下的章节中将逐条介绍色彩静物写生中的一些最为关键的基本概念、原理及技法。

马克笔绘画创作技巧访谈

图片：

访人：闪隽

被采访人：广阔

地点：深圳雕塑院303工作室

访谈开始…………

闪： 我非常喜欢你用马克笔创作的作品，我觉得它有一种独特的魅力，请问你为何喜欢用马克笔来做画？

广： 是因为我喜欢马克笔的雄浑、粗犷、潇洒流畅的艺术语言及马克笔绘画独特的视觉效果。这也许与我的性格有关。

闪： 你觉得你个人在表现环境设计渲染图时有何独特的感受及创造了哪些独特的表现方法？

广： 我想这个问题应该从两方面回答：

第一：我的设计作品全部都是为工程项目所作的设计概念表现图。这项工作除了需要广博的专业知识外，更重要是设计师丰富的想象力。创作本身就是在展示设计者的想象力。在构成效果图的众多元素中，想象力应该排在最首要的位置。

第二关于哪些独特的表现方法，我想它应该是艺术风格与表现风格方面的事情。我坚持用写实绘画来做思考的表达，让幻想中的景象最大限度的接近生活的真实。我喜欢用速写的方式，快速的表达设计概念。

闪： 使用马克笔需要怎样的色彩经验？

广： 越多越好。最好是水彩、色彩铅笔、炳烯颜色等都使用过。表现中的“丰富”与“灵感”均来源平时的色彩经验。

闪： 你的作品多数是景观设计效果，你觉得在表现方面与室内效果有何不同，是否更强调绘画的基本功？

广： 我想这只是专业层面上的不同。评价一幅设计作品的优劣，首先是设计层面的深度，其次才是绘画层面的事情，用绘画的方式表达设计思考，不论室外的景观还是室内的设计，要想表现的精彩而又有深度所需的修养与基本功是相同的。 闪： 你学习用马克笔来绘制表现图的途径是怎样的？

广： 首先是喜爱。

在使用马克笔之前，我常使用水彩与彩色铅笔绘制表现图。马克笔与水彩在设计师的手中都是绘画中的颜色，不同的是不同的工具所产生的不同的视觉效果。我用水彩的色彩经验去使用马克笔，用马克笔的经验去画水彩，置换的感觉给我许多新的发现。

闪： 你自己在用马克笔绘制表现图的过程中，主要把握哪些方面的东西？

广： 马克笔画出来的东西形式感很强。有它自己独特的艺术语言与表现方法。在表现中需要肯定、简洁、精炼与概括。也许在其它的绘画中只需要加法与减法，马克笔绘画则需要你使用“乘法”和“除法”了。在表现中，如果你追求摄影般的真实，那会“望山跑死马”的。我主要追求艺术上的真实感。

闪： 你是怎样处理与调整画面的？灰色调看起来又不觉得脏，整幅作品给人以清新明快的感觉？

广： 我觉得这是艺术修养的问题。整体感处理的不好，局部就“闹****”了。在绘画的时候要经常从远处看“大效果”，你就会知道做如何调整了。或者你将画倒过来观看，对问题也许会看得清楚些。能看出问题，就会有解决问题的办法了。对我而言绘画的整个过程都是“改错”的过程，错误没有了。画也就画完了。在绘画的过程中，我一贯坚持“大胆的画小心的改”。

闪： 马克笔的色彩有其自身的特色，透明鲜艳的颜色可以进得重叠以获得丰富的色彩变化，来表现物体局部微妙的色彩变化，对色彩的重叠搭配上要如何选择有何建议？特定的色系有没有固定的色彩搭配模式？

广： 首先我没有固定的色彩搭配模式，我也不喜欢。我喜欢变化与不同的事物，当我开始画一幅效果图时，跟本不知道画完是什么样子，我全部的精力都在关注我的想象中的形体上。我只是通过色彩与线条将幻想带入生活。有了固定的模式，我便失去地创作本身的魅力与表现的激情。

闪： 用马克笔画脏画错了，该怎么办？

广： 在这方?*易苣堋敖砭痛怼薄Ｊ翟诟牟还吹牡胤骄陀酶淖值耐扛囊豪锤哺恰Ｔ儆芯褪墙强榇淼牡胤接玫镀诘簦?BR>块纸重画。因为有了电脑就不怕画脏画错了，在电脑中一切都可以修改，并且天衣无缝。

闪： 如何提高马克笔表现效果图的绘制速度，有没有特殊简便的画法可以缩短绘制的时间又可以快速的表现形体？

广： 用马克笔绘制效果图是脱离不开墨线的，墨线在效果图中起到所描绘的物体轮廓的形状与色彩边缘界定的作用。绘制马克笔效果图速度的快慢关键在于墨线准确的勾勒形体的速度上。另外，若想在很短的时间内绘制出设计概念，最好用速写的方法去绘制效果图。在表现过程中删去不必要的细节，注意整幅效果的完整性并迅速地建立起可视的立体图形。

闪： 表现图中的光与现实中的光有何不同？

广： 现实中的光，是真实的光，有能量。表现图中的光是设计师在二维平面中创造出来的光。它只是一种感觉

的光。“光”是摄影与绘画创作中的灵魂。我在画草图之时就开始考虑用光的问题。“光”与影是我绘画表现的主要“兴奋点”，同时它也是激发我设计灵感的元素。

闪： 你认为最好的绘画状态是什么？

广： 既有灵感，又有激情。

闪： 你是如何利用马克笔更好更丰富的表现对象的？

广： 作一名优秀的景观设计师首先要具备丰富的想象力。在我创作主题公园的景观与景点时，幻想是我设计工作的起点。当我在构思一场景的时候我会情不自禁的产生出许多美好的幻想，建成后时的景象会不知不觉的浮现在我的眼前……在我开始用铅笔画草图的时候，脑海中会闪现出……彩带、旗帜、气球、崭新的建筑观光欢快的人群以及撒向建筑上的耀眼的阳光，突然间我会感觉到整个身体像个轻盈的透明体般的物体，自由自在地在他们中间飘动，并认真的审视每一个的施工细节及仔细观查它们在空间中的关系……然后我会远远地站在人群的后面，去感受那由设计师群体巨大的创造性劳动建立起来的设计美感及所带给人们的兴奋与快乐的气氛……想象的力量会在瞬间让我变得激动与兴奋，马克笔随着我奔涌的激情在纸面上如跳踢踏舞般的跳动……很多情况下，动作都是下意识的。望着眼前这批作品，有很多东西真的不知道是怎样画出来的，因为我常常会忘掉技法。当我回忆快乐时光之时，留给我最多的是思维的轨迹及想象空间中的快乐……

手绘基本技法４

做为设计师来说，手绘的重要性，越来越得到了大家的认同！因为手绘是设计师表达情感、表达设计理念、表诉方案结果的最直接的“视觉语言”！

送大家两句话： 一是，手绘是最容易学的。 因为任何一门学科都有其自身的规律性，抓住规律性，才是学习的根本，手绘真的不难，其实就是四个字“比例、透视”。

要说的第二句话是，手绘是最难学的。之所以说难，是因为手绘的基本元素只有一个——线。作家是*写字生活的，写的每一个字都是字典里有的。人人都会写字，但真正成为作家的还是寥寥无几——每个人都会画线，但画出来的结果却大相径庭——有些人的线是僵硬的死板的，有些人的线即准确又充满“灵性”，处处闪动着手绘线条的美感；

我说：“手绘是最容易学的，手绘是最难学的！”"手绘"的提高,不是"一朝一夕"就可以学好的,除了勤奋和努力之外,是没任何"灵丹妙药"的!要想学好手绘这门学科，还是要先打好基础，基础是关键，要学会“走”并要走得“稳”，然后再去想“跑”想“飞”——

还有许多学生问：我也天天在画，为什么总画不好（或没感觉）？ 大路老师有一句十分经典的话，说的很准确：原因有两点：一是没用“心”去画，二是画的数量不够！ 我很赞同大路的话。

首先，你必须懂得每一种做图的原理和方法，如果你

把原理搞懂了，画完A3，A4的复印纸各一包，能有2/3可以拿出来给别人看而自己不脸红的时候，你未来的路也就宽了——虽然和大路说的角度不同，但意思是完全一样的—— 那么，什么是手绘？它的真正意义又是什么？

手绘，个人的理解是：通过手工绘画完成某种结果的绘制过程。是一个过程。 我们现在通常所讲的“手绘”实际上是一种简化了的概念化语言。“室内设计建筑手绘”是一个大的概念！“手绘”可以划分为两个部分：传统手绘和现代手绘。把现代手绘定位在“现代室内设计实用手绘”上。 划分的目的，是便于理解，便于掌握，便于有针对性的学习！因为两者的表达方式、表达工具、色彩应用都完全的不同了（关键是画图的时间），

“传统手绘”讲究的是：准确、细致、全面、完整！ “现代手绘”讲求的是：精炼、简洁、快速、生动！ “现代手绘”必须以“传统手绘”做基础！那是我们“起跑”和“腾飞”的基石——- 万丈高楼平地起。

打好一个坚实的基础，是我们做任何事情的首要条件。这样的道理，人人都懂得！但真正的领悟并做到的却不是很多。谁都希望在很短的时间内取得成功，实现自己的计划，达到自己所希望的目标！然而，“浮躁”的情绪，“好高务远”“急功近利”的做法，又是我们学习和生活的大忌，要想取得事业上的成功必须扎扎实实、一步一个脚印的前行！这就要求我们，在这次学习中必须有一个良好的心态，树立一个正确的思想观，认认真真地按照既定的教学计划去学习、去训练、去提高！

先学会临摹，训练的方法如下：把优秀的图打印出来（A3或A4），把硫酸纸或拷贝纸覆在上面，用黑色中性笔准确画出图片上的空间结构和物体，要求线条细致、准确、完整、不添加和减少任何物体,不改变物体位置,画面干净、整洁！

怎样才能做好设计表现

怎样才能做好设计表现呢?有什么好的方法使这一工作顺利地完成呢?回答是有的。这里不妨先了解我们在做具体事件时应重视这

样几个间题。

1.明确的计划

明确传达设计信息，对画面上设计内容、分析考虑表现及技法的定位和精心的计划，是做好设计表现的首要前提。具体地讲，根据不同的室内设计主题的性质与内容应考虑到纸张、工具的性质、色调、形象、线条及块面的构成面积比、构图及视角的选择、光影、质量感的均衡与协调、技法表现的先后步骤、色彩的厚薄、图面中心与边缘的关系等间题.同时还不能忽视整体画面的意识作用。统筹规划认真组织.以便在绘画表现过程中不使表现过程出现反复修改的现象。既延长了时间，又会使表现效果拖沓。可见，首先明确了这种有的放矢的“计划设计”，是设计师们提高工作效率与锻炼正确的判断调控和处理画面能力的好方法。因此，它是完成一幅较为满意的彩色透视图的重要观念。

2.熟练的技巧

在明确了计划内容之后，表现就成为了一个非常重要的内容。由于现代经济社会中人们竞争意识的增强，而工程设计往往是工期紧、任务重，这就要求设计师们必须具备有较快且熟练的表现技巧来完善和表述设计思维，以争取更多的时间和设计质量来承接工程。而这一技能的掌握并不是一朝一夕就能取得的，它需要大量的实践与“量”的积累，需要有创意的意识和把握灵感的悟性的能力，在研究中去表现，表现中去体会，才能逐渐地做到得心应手，真正达到J决捷、准确、可信、美观等设计表现的特殊要求。

3.可信的表现

可信的效果，从某点上说，是一种写实的追求，是抽象概念明确化的秩序，是依据设计尺寸、造型、材质、比例、表现技法及修养等一系列因素交叉融合表现的结果。懂得并追求这种写实的造型语言、是每一位表现者研习提高表现技巧的一个重要方面。

可信表现主要应明确以下几个方面来做为表现的理性原则:

A.形体透视、B.质感准确、C.光影真实、D.比例尺度、E.色彩协调、F.环境可信。

控制这几个大的方面，努力使其合理准确，减少夸张，一般情况下，其作品都能取得较为生动可信的易于理解和接受的艺术

效果。

4.美感的把握

设计表现绘画同设计及其艺术活动一样具有较强的艺术表现成份。通过具体可感、鲜明生动的个别形象诉诸人的感觉，影响人的思想情感，给人以审美作用。表现的画面中，一方面展示设计本身鲜明的生动形象的美感。另一方面又能带给人表现过程与画面形象的美(色彩、形体、材质、比例、线条、肌理、光影等)。两方面相辅相成，产生既有共性又具个性的美感的多样性特点。

设计表现的画可直接用于工程投标、设计交流，也可供人欣赏和收藏。因为它是生活自身的体现，是设计思维的智慧结晶，同样也是一幅艺术绘画作品。

手绘在设计中的作用

设计是现代社会的重要组成部分，在现代社会中，设计无处不在。世界正从传统的工业 社会向信息社会迅速转变。在这一社会变革 中，设计方法和手段也发生了巨大变化——设 计领域出现了传统的手绘设计逐渐为电脑设计 所替代的趋势。随着电脑技术在设计界的广泛 应用，以及电脑技术的日趋成熟和完善，过去 需要双手完成的大量设计工作逐渐由电脑来完 成，且工作时间及强度都大大降低。电脑在设 计领域开始扮演愈来愈重要的角色，任何复杂 的图形和需要耗费时间的工序，通过电脑操作 就能轻而易举地处理，而且在设计过程中可以 不断地进行修改，这大大提高了设计效率。由于电脑设计软件越来越便于学习和使用，有些 没有绘画基础的人稍经培训，竟然也能通过电 脑进行各种设计，无视手绘设计之重要，岂不 知手绘设计是必须具备相当程度的绘画

基础， 且是需要长时间学习和练习才能掌握并运用自 如的一种技巧。因此，电脑设计的普及化和数字化的确对传统手绘设计产生了巨大影响，然 而，电脑真的会完全取代传统手绘设计吗？

答案是肯定还是否定，暂且不论，先把目光瞄向设计的实质，以正本清源。王受之曾经 说过：“所谓设计，指的是把一种计划、规划、 设计、问题解决的办法，通过视觉的方式传达 出来的活动过程，它的核心内容包括三个方面， 即：⑴计划、构思的形成；⑵视觉传达方式，即 把计划、构思、设想、解决问题的方式利用视觉的方式传达出来；（3）通过传达之后的具体应用。”从这段论述中，我们可以得出这样的 结论：在设计领域，设计的灵感来自头脑，来 自思想撞击之后产生的激情；设计的核心是创造性的思维方式，其次才是设计手段。手绘方 式和使用电脑的方式只是手段的不同。

日本著名设计家佐野宽说：“只有从艺术 家到设计家，没有从设计家到艺术家。”他把从陈绍华到韩家英，从靳埭强到韩美林，莫不如此。

设计师用手绘来传达自己的设计思想，仍然是一种最直接、最自由的传达方式，从这层 意义上说，电脑无法完全取而代之。

一、手绘在现代设计中的尴尬现状如今一提起设计，目之所遇、耳之所闻，不是电脑作品，就是与电脑相关的词语，诸如软件、程序、滤镜、命令、路径、图层等，各种设计作品绝大多数都是电脑设计作品，无论 是大型工程招标还是标志设计，都是各种电脑 作品的大比拼，难觅手绘设计的踪影。就目前 高校设计专业而言，大多数学生也是轻视手 绘，重视电脑。学生进校后把主要精力放在了电脑的学习和操作上，以为只要掌握了几种软件，就能随心所欲地进行设计了。从客观现实来看，设计作品大多采用电脑软件制作，但是深究起来，电脑只是设计传达的手段而已，设计的关键在于把计划、规划、设想、问题解决 的方法通过视觉方式传达出来。我们常说心手 相印，指的就是用手把心中所想传达出来，是 最为便捷的，这也是人类与生俱来的本能。

但凡经过专业训练，并有志于设计事业的人，应 常采用手绘方法绘制设计作品，这是电脑无法取代的。道理诚然如此，但设计领域的现实却是电脑一统天下，手?*抻梦渲兀缘梦匏蚀印Ｕ沾讼氯ィ萍挤⒄乖窖该停只嫔杓圃椒⑹艿匠寤鳎缒孕?BR>果图中的空间、材料、质感可以仿真，令设计师喟叹不已。在此趋势 之下，手绘设计的尴尬境地显而易见。

难道手绘设计真的穷途末路了吗？毛泽东说过，战争中决定性的因素是人而不是武器，这是亘古不变的真理。同样，高科技是推动社会进步、经济发展的重要因素，但高科技依然 要靠人来掌握，并且永远无法替代人的作用。电脑替手做了大量工作，但是这并不意味着它 能替代手。设计对电脑的过份依赖只是阶段性 的，这种依赖已经显现出弊端，因为电脑毕竟 是程序化和命令化的集成，在许多情况下，设 计作品出现了千人一面的情况。设计艺术中最 重要的是设计师个性的发挥和体现，这一点逐 渐在电脑设计作品中变得模糊。

手绘设计与电脑设计的异同

手绘设计与电脑设计的目的是相同的，同为进行某种视觉方式的传达，只是两者所采用的手段不同；从思维的角度来看，两者同为设计师展示的创造性思维，没有高低优劣之分。电脑的特点是设计精确、效率高、便于更改，还可以大量复制，操作非常便捷。但随之而来的缺憾是在进行某些方面的设计时，难免比较呆板、冰冷、缺少生气，不利于进行更好的交 流。而手绘设计，通常是作者设计思想初衷的 体现，能及时捕捉作者内心瞬间的思想火花，并且能和作者的创意同步。在设计师创作的探 索和实践过程中，手绘可以生动、形象地记录下作者的创作激情，并把激情注入作品之中。 因此，手绘的特点是：能比较直接地传达作者的设计理念，作品生动、亲切，有一种回归自 然的情感因素。例如，我们在一个包装盒上表现书法字体时，选用电脑字库里的字体总是不 能尽如人意，而改用手写的字体，顿时感到有一股生气，效果截然不同。手绘设计的作品有很多偶然性，这也正是手绘的魅力所在。诚然，手绘设计在有些方面也不能与电脑相比。如手 绘设计完成一件作品的周期较长，与电脑相比 费时间、费力气，而且操作时作者需全神贯注， 十分细心，不能出错，也不方便修改，更不能 轻易复制。

前文提到的设计软件的掌握和学习比手绘 方式更加便捷，因此，设计初学者对电脑的依 赖性比成熟的设计师更强。需要认识到，其实 训练，才能掌握手绘设计的基本规律和 技巧。而要想成为一名优秀的手绘设计 师，则需要历经长期磨练，不断学习他 人的经验成果，融合各种知识于心中， 这样才能站得高，看得远，心手并举，不 断创作出优秀的作品。严格地说，有了 好的创意和扎实的手绘基本功，还不能 成为优秀的设计师，只有娴熟地掌握设 计的各种辅助手段——包括制作各类效现代许多设计大师的作品仍然以手绘方式为主， 果图，才能真正迈进设计的大门。作为有些设计大师甚至完全反对使用电脑进行设计，一名初学者，经过几年的专业绘画训练认为电脑使设计变得枯燥和单调。而传统的手 绘方式实际上是沿袭绘画艺术的精髓，那些对 设计作品艺术性要求更高的大师们，对设计风 格的把握往往是依靠更加个人化的手绘方式， 而非电脑，这也恰恰说明手绘方式更能体现设计的艺术性。实际上，手绘产生的某种不确定 性使设计艺术更加生动，尤其是海报、包装、标志等设计，手绘更能体现出设计的灵性。而 电脑设计是将设计任务数字化的过程，在设计流程和效果上的控制性比较强，因此电脑更适 宜于进行工序复杂和效果复杂的设计，例如电影特效、平面图像处理等费时费力的工作，尤 其是再现真实、还原真实和仿造真实上，电脑无疑比手绘方式要方便和有效得多。手绘和电脑各有所长，任何片面地认为两种方式可以相 互替代的观点都是站不住的，只有清醒地认识到它们的利弊，才可以在不同情况下采取更加有效的设计方式。

手绘是设计的原点和终点

一个好的创意，往往只是设计者最初设计理念的延续，而手绘则是设计理念最直接的体 现。对于大多数设计者来说，电脑在设计领域 强势登陆，几乎占据了整个设计行业后，手绘 设计的方式并未完全退出历史舞台，只是在此 消彼长的市场形势中被弱化了。单就以往以手 ?*鞯纳杓剖Χ裕堑纳杓评砟羁梢猿?底释放了，不再拘泥于手绘设计中的繁琐过 程，可以专心梳理所有的设计头绪，转而形成 设计理念和设计表现的一体化。从另一个层面来审视当下的情况，电脑的普及使得人们把设 计制作过程简单化了，甚至漫不经心，失去了惯常的艺术神圣感；反观手绘设计，设计者自 始至终心无旁骛，全神贯注，整个身心围绕着 设计主题进行创造，对于每位设计人员来说， 这无疑是渐入佳境的最好方式。当然，手绘设计要求从业人员具有坚实的专业技能，因为再 好的想法如果缺乏表现形式，画不出来，都无济于事。手绘技能的培养决非一蹴而就，首先 需要一定的悟性和绘画基础，经过长期的专业后，还要经过大量的设计练习，才能掌握效果图的绘制技巧。而要想画出一幅漂亮的效果图，则需要更艰苦的努力和更长时间和更多的实践。即便是美术院校的毕业生，经过四年的学习也不一定能够完成一幅精美的效果图，这足以说明两点：一是掌握手绘设计的技法很 难，二是理解手绘设计的精髓很难。

设计最初完全是依靠手绘的方式传 达出来，设计者手绘表现水平的高低， 也就代表着设计者专业水平的高低。于 是人们在进行设计时十分注重描绘效果 图，以至于效果图成了判定标准和审美 尺度。电脑的兴起，手绘随之淡出设计 舞台，暂时为电脑效果图所取代，例如，在景观设计中，手绘的写意手法是电脑无 法企及的。正是基于这一点，手绘设计在不久 的将来或许又要悄然兴起，在设计领域重新占 据自己的一席之地。

正确看待手绘与电脑的关系设计

在世界经济全球化的环境下，也逐步呈现后工业化社会的商业特征，设计语言的 整体趋同趋势使设计艺术面临阶段性的冲击和 变革，西方价值观的渗透使传统的民族设计艺术也面临困境。电脑设计与手绘设计的冲突在

某些情境下其实表现为现代与传统的冲突，有些情境下又表现为观念与语言的冲突。手绘方式在保留和继承传统观念和语言方 面的确起到了决定性作用，但这并非说电脑设计作品就是现代的，手绘设计作品就是传统 的，意识与观念才是决定作品是否传统与现代的关键。对手绘方式的忽略和不重视，会从实 质上对传统设计造成继承上的断层，必然会在设计语言和观念上形成单一的局面，因此，手 绘与电脑并重，才是设计艺术的正常发展之路，现在对手绘的忽视已经在某种程度上导致了错 误的认识，尤其在初学者和年轻设计师中间，认为电脑完全可以替代手绘进行所有的设计，甚至认为没有必要再去学习或研究手绘方式进行创作，这种观点显然对设计的发展是不利的，正确认识手绘的作用，必须从研究传统 开始，从重新审视设计艺术的发展历程开始，只有了解设计艺术的精髓，才会认识到任何设 计手段都是为设计观念进行服务的，具体的设计方式是手绘还是电脑，必须从设计的需要出发。

因此，在学院教育和设计实践过程中，必须强化对手绘设计的学习和应用，对初学者进 行正确的设计观念的教育，使他们认识到手绘设计的生命力还很旺盛，对传统的手绘设计作 品进行再研究；在设计实践活动中，则挖掘手绘的巨大潜能，丰富手绘的手段，从传统中继 承手绘艺术的精髓，让手绘设计发挥出更大的作用，使手绘设计和电脑设计二者形成互动、 互补的正确关系，使设计艺术手段更加丰富与完善。

在电脑时代对设计徒手草图训练的再认识

一、电脑技术是把“双刃剑”

电脑技术在设计学科中的广泛运用，带来了设计方法和观念的变革，成为设计和创作的新趋势和新动向。首先，电脑虚拟技术的发展和在设计领域中的应用，使设计中艺术与技术的隔膜——即设计作品的物化过程的隔膜得以消失，也使传统的设计程序发生了根本的变化，即有可能实现真正意义上的“并行设计”，使设计作品能综合艺术、结构、工艺、技术、材料、经济等多方面的因素，以谋求最佳、最完善的实现途径，使最终的物化得到理论上的可行性和经济性的高度整合，成为检讨设计的重要手段。如建筑大师弗兰克，盖里(Frank Gehry)所设计的迪斯尼音乐厅，在最初传统模型构思的基础上运用电脑虚拟技术来检讨、完善和深化，最终完成传统二维图纸所无法表现的具有戏剧般形状、动人心弦的建筑设计作品。其次，电脑技术亦使传统的设计观念受到冲击。电脑还是一种能够激发设计创作灵感的发生器，是获取全新的、非传统设计程序和观点基础上的造型形态的有效手段

。正如某位诺贝尔奖获得者、著名物理学家在中国某大学里演讲所说的，其成功秘诀在于一?*搿罢臁保拔笕氪粤帧薄Ｍ?BR>样，设计的创新亦应从科学技术中捕捉创作灵感，寻求技术与艺术协调和整合过程中的一种全新的构思和创意。电脑技术为信息时代的设计提供了一种创意的新途径和新理念。如著名建筑师彼德·埃森曼(Peter，Einman)在设计柏林最高建筑物——马克斯·林哈得(Max Reinhardt)大楼时即运用了电脑技术，以一几何原形来进行创意，获得了“神奇的扭转”所生成的设计造型，诠释了信息消费时代的都市建筑景观的新理念。再次，电脑技术大大降低了设计的劳动强度，提高了设计精度和速度，而且其虚拟真实的技术使设计表现图显得直观而生动。同时电脑技术亦能使设计成果得到重复的利用，对设计标准化和产业化起到一定的推动作用。

然而，如同一切高新技术一样，电脑技术在设计学科中的运用亦存在着众多的负面效应。如电脑技术带来了设计的“异化”，反映在具体的设计中即为重“表现”轻“设计”，设计方案招投标变成了电脑效果图竞赛；学生设计时在电脑效果表现上所花的时间大大超过设计方案构思的时间，重“结果”轻“过程”的情形十分严重。又如电脑技术其本身特点也在一定程度上束缚了设计思考过程“幻想”的翅膀，国内有位设计师曾说过设计是让“不可能”变成“可能”的过程，我对这个观点十分赞同，但电放弃方案初始阶段的模糊性和随机性，而向电脑“投降”，使设计艺术创作变成简单的工业化“生产”。再如在设计教学中，学生过分依赖电脑和沉湎于电脑，忽视了严格的基本功训练，对设计徒手草图的训练和运用失去了应有的热情和追求，最终导致设计分析、思考、创作能力的丧失，也使学生设计素养降低。

二、设计徒手草图训练是提高创造性

思维能力的有效途径

设计徒手草图实际上是一种图示思维的设计方式。在一个设计的前期尤其是方案设计的开始阶段，最初的设计意象是模糊的，不确定的。而设计的过程亦是对设计条件的不断“协调”，图示思维的方式即把设计过程中的有机的、偶发的灵感及对设计条件的“协调”过程，通过可视的图形将设计思考和思维意象记录下来。“这样一些绘画式的再现，是抽象思维活动的适宜的工具，因而能把它们代表的那些思维活动的某些方面展示出来”(鲁道夫·阿恩海姆语)。而作为电脑，其保持精确数据概念的特点——点、线、面、形体在屏幕上的明确和肯定的显示，扼杀了方案构思设计阶段设计思维的模糊性和随机性，亦不符合设计初始阶段的设计思维方式及其设计的表达。显而易见，电脑无法替代创造性思维活动。

设计是一个解决问题和协调矛盾的过程，在这个过程中两个内容十分重要。一是发现问题、解析问题；另一是对所解决的问题答案进行评价。前一个内容是后一个内容的基础和做好一个设计的前提，亦是目前设计教学中一个十分薄弱的环节。对于学生缺乏想象构思和创造的能力，利用设计徒手草图的训练——图示思维的设计方式，将有效地提高和开拓其创造性思维能力。实践证明，国内外的许多优秀设计师和设计大师均精于此道，出色的图示思维亦是他们的成功之道。

图示思维方式的根本点是形象化的思想和分析，设计者把大脑中的思维活动延伸到外部来，通过图形使之外向化、具体化。正如德加所述：“SKETCH”是一种发现行为。在思维过程中需要脑—眼—手—图形四位一体。

著名美学家鲁道夫·阿恩海姆在其《视觉思维——审美直觉心理学》中阐述道：“视觉乃是思维的一种最基本的工具”，“艺术乃是一种视觉形式，而视觉形式又是创造思维的主要媒介”。视觉的思维性功能帮助我们通过图示进行思维、进行创造。在发现、分析问题和解决问题的同时，头脑里的思维通过手的勾勒，使图形跃然纸上，而所勾勒的形象通过眼睛的观察又被反馈到大脑，刺激大脑作进一步的思考、判断和综合，如此循环往复，最初的设计构思也随之愈发深入、完善。可见，徒手设计草图这种形象化的思考方式，是对视觉思维能力、想象创造能力、绘画表达能力三者的综合。在这个过程，不在乎于画面效果，而在乎于观察、发现、思索，强调脑、眼、手、图形的互动。徒手设计草图的训练，无疑是培养学生形象化思考、设计分析及方案评价能力，以及培养学生开拓创新思维能力的有效方法和途径。 -

三、结 语

高技术的确给设计及设计教学带来了许多帮助，电脑技术带给设计的变革也勿庸置疑。但电脑不是“一切”，它无法替代我们的大脑，无法替代设计的创造性思维，电脑只能是我们进行设计的好帮手。在设计教学中，加强设计徒手草图的训练，通过脑—眼—手—图形的有机的、不断的形象化思考和再观察、再发现和再创造的过程，有助于提高学生观察问题、发现问题、分析问题的能力。创造性思维能力以及综合的设计修养，能使设计者产生更多的新构思。和新创意。“自由地画，通过线条来理解体积的概念，构造表面形态……首先要用眼睛看，仔细观察，你将有所发现……最终灵感降临”(勒·柯布西埃语)。手绘之我见的这张草图的效果，更注重的是画面效果而不是设计效果，这是设计师作草图的表现阶段。手绘草图进入另一阶段可谓之“随意草图”阶段。到这一阶段，我们已可以把与设计创意无关的内容从草图上一一抛弃，真正还手绘草图一个本真的价值。这当中，颇有笔随意发的中国草书书法的意味，以设计意念驾驭笔端，手绘草图完完全全真真正正成为将设计创意落实的一项工作。

所谓“随意草图”，重在随意，表达的是设计师瞬间的设计灵感。草图，是用来记录设计的一个过程，不是设计的最终目的。所以虽然草图的技法很多，但作为一个设计师不应是本末倒置地为追求技法而忽视设计本身，要知道，不论采用什么技法，其目的都是为了阐明你的设计。作为一个设计师是离不开草图的，这是我从事设计事业十多年来的感悟。在做设计过程中，随意的勾画可以记录下你的设计思路，同时还可以给你带来瞬间的设计灵感。

从平面方案开始我就喜欢随手胡乱勾画一些草图， 由平面联想到立面、天花及整体空间，手中的笔在恣意周游之时，不经意间设计灵感已在脑海中浮现，再将瞬间的灵感快速的表达出来，那是何等的惬意的事，何等痛快的事。整个创意表现的过程是通过手和脑来完成的，决不是光动脑不动手的空想。随手描画可以为你汇聚很多感觉，然后再将这些随手勾画的草图加以整理交给电脑效果图设计师，只要他们同你有默契的配合，你的设计很快就被表现在电脑上。做效果图是这样，做施工图也是这样。你的设计创意由脑子通过你的手勾画出来，交给绘图师，凭他们的智慧和经验，一张张的随意草图经由电脑演变成了一张张严谨的施工图，这时候，随意草图就成了设计师与绘图师沟通最便捷的工具。在这种脑与手的对话中，设计师的创意一步一步地由玄想变成现实。

个人的手绘草图很少着色，这其中一个客观的主要原因是时间的****问题。像我们主要专业从事公共建筑空间的室内设计，常常都是大型项目，必须参与投标，基于国情的现状，甲方给的时间有限，色彩的处理只有凭自己的经验，附以文字来表达材料、灯光色彩的效果。从这一角度看来也可得知手绘草图的价值并不在于其画面效果的亮丽渲染，而完全在于它是一种创意的行为。

总而言之，在做设计的过程中，设计师应将主要精力用在设计创意上，不要花太多的时间去表现图面的效果，应该多做些实

实在在的事。手绘草图返璞归真究其根底是为设计创意的全面表达服务的，手绘草图的力度和分量也正体现在个个设计创意亮点的闪现上。

水彩画常见弊病与纠正方法

水彩画物质材料的特性，决定了水彩画区别于其他画种的独特表现技法和审美趣味。在教学中，指导学生纠正与克服水彩作画过程中出现的种种弊端，是学习色彩知识，掌握水彩画表现技巧的重要环节。

弊病之一：脏。水彩的特性决定了其“干净”的本质，而污浊的色彩产生出黯然不洁的画面，便会失去水彩画中最动人之处。“脏”是水彩画常见的毛病，其产生原因：①色彩的冷暖、纯度关系不明确，缺乏对比；②乱用黑色，造成色彩污浊；③用笔过度扫、刷、擦，着水色遍数过多。纠正“脏”的弊病，首先要避免对比色、补色颜料的等量相调。其次，要谨慎使用黑色或将低纯度、低明度的色彩渗透到高纯度、高明度的色块里。需要特别指出的是，通过色彩调配产生的黑色，不仅有明确的色彩倾向，而且与其他色彩相调时，可有效避免“脏”的感觉。另外，作画用笔用色要准确肯定，尽量避免过多的重叠、洗、刷、修改，否则，容易失去水彩画滋润透明的特色而色彩混浊。

弊病之二：灰。一幅“灰”的水彩画会使人索然无味。画面“灰”的主要原因一是色彩明度对比太弱、缺少浓重、有重量感的色彩；二是色彩纯度对比不够，缺少明快、纯度亮的色彩。因此，解决“灰”的问题就应从素描和色彩两方面入手。自然界中的物体，会因其所处空间位置的不同，固有色深浅的差异及受到光线、空气等因素影响而产生色彩明度、冷暖和纯度等关系的变化。一般来讲，一幅画面中近处的物体实而具体、明暗对比强烈、色彩鲜艳偏暖；远处的物体相对虚而模糊、明暗对比较弱、色彩偏灰偏冷。培养正确的观察、认识方法，增强敏锐的色彩感受能力，掌握色彩变化规律，处理好表达对象的明暗、主次、虚实、冷暖、纯度这几个关系，是克服画面“灰”的根本所在。

弊病之三：花。主次不分，色彩杂乱，各自为政，缺乏整体性是“花”的弊病产生的主要原因。面对自然景物，作者要依据画面主题的需要，大胆进行取舍、概括和提炼，删掉一些与主题无关的细节，使画面宾主分明，主体突出，这是纠正画面“花”的方法之一。要在画面上形成色彩的主色调，不宜在色相、明度、纯度上局部对比太多、太强，这是纠正“花”的方法之二。另外，画面半干半湿时不要过多重复，也可有效避免运笔留下明显痕迹而产生过多水花笔痕的弊玻

弊病之四：焦。透明、亮丽是水彩画的特色之一。颜色稠浓，调色不当，干画法太多是造成画面“焦”的直接原因。以水调色作画是水彩画的基本特征，水的流动、透明、渗化等特性，赋予了水彩画淋漓、润泽、明快的韵味。调色中，除依靠颜色本身的明度调配以外，用水作为媒介颜色溶化、稀释并产生明度、纯度关系的变化，形成水与色、色与色的相互渗化、融合和自然、丰富的色彩效果，是克服色多于水，颜色太浓、太稠，避免画面“焦”的关键一环。水彩颜料中的赭石、熟褐等色，如果与群青、青莲等透明色相调配，用水适当，会产生颜色的沉淀，出现美妙丰富的肌理效果。相反，避免将赭褐等色与其他透明性差的颜色随便混合，又会避免画面色彩的干“焦”之感，所以调色时务必小心，尽量单独使用或在调色上不超过三种颜色。多采用湿画法作画，可以极大地增强画面色彩的透明感，避免“焦”的毛玻另外，慎用土黄、肉色、粉绿等色，也是防止画面失去色彩透明性的重要方面。

弊病之五：粉。色彩冷暖倾向不明确是产生画面“粉”的主要原因。以水作为媒介调节色彩的明暗与纯净程序是水彩调色方法之一。要明确和加强色彩的冷暖关系，避免将或冷或暖的色调画成中间灰色。其次，画面色彩较深、较重的地方，也更应明确、肯定其色彩的明度关系，这些都是避免画面“粉气”的有效方法。弊病之六：松。“松”是水彩作画中水分控制不当而直接造成的画面弊玻水彩画创作中，应掌握水的特性及对其灵活运用，水分能决定画面色彩的浓淡、明暗、干湿、枯涩，决定形体的虚、实、硬、柔、聚、散，产生丰富的表现技巧，使画面充满生气与韵味。如果不能熟练地驾驭水，将会使形式俱散，色淡形“烂”，画面“松”散。因此，注意两面干湿，把握好湿时重叠的时间、色中水分的多少，是水彩作画中的重点和难点，也是避免水色泛滥的关键环节。作画时，概括处要大胆心细，一气呵成，细微处层层重叠、明确肯定，富有力度。另外，克服一味追求湿画法的效果也是纠正和避免水彩画“松”散的有效途径。

水彩画作业中常见的6种弊病，既有色彩问题，也有技法问题，还有素描问题。有一个共同点是肯定的，那就是：多观察，重感受，找规律，勤实践。

图片：

教你手绘表现

对于初学手绘者： 如果是一点美术基础都没有，那么我建议你先丛基本功练起，例如素描、速写、色彩等等，同时可以兼学一些设计理论…… 如果是初学的话，还是从钢笔速写和色彩开始练比较好，——如果一开始就只练室内外表现的话，反而局限性比较大。可以多画些钢笔速写，想当初我可是画了上千张啊；手绘能够天天练当然更好，不能做到天天，也要尽量地经常画吧；开始练可以多练些速写，色彩组合喽！如果你的基本功很好，这些就可以省略，直接上手画图练习 关于上色步骤: 一般我都是用铅笔大致起一下稿，再用签字笔正式勾线。如果只是想见效快的话，可以更多的注重于临摹，但要能举一反三，并且能够学以致用。从写生入手的话，可以更为厚实一些，对将来的发展更有好处。当然，这是指在你有大量的时间用来练习的情况下。

我做设计时，家具有时自己设计，有时会采用一些看到的好家具。不瞒你说，还真是练出来的。至于灯的颜色，大部分是彩

铅画的。

1、先画明，但最亮的部分是最后调水粉加上去的；

2、常用色如果是画家装的话，不外乎灰色系列，木色和几支绿色；不要用打印纸，普通复印纸就可以；

3、最先画最重的色，其次是最浅的色，然后画中间层次，中间有些细小步骤可以按感觉调整；

关于透视：成角透视这种东西是要多画才能感觉得到的，——平时也可以多注意一些成脚的实景照片或从生活中观察，处处留心皆学问嘛！黑白稿我发了不少啊，如果你指的是最初的铅笔稿，那就没办法了——我在起铅笔稿时就是一团乱线，除了我自己，别人很难看得懂。

1、所谓最好的透视点，我觉得无外乎看起来舒服，有表现魅力并能表现尽量多的东西，平时你可以针对一个方案试试不同的视角，慢慢就可以找出来。至于我自己，是比较喜欢成角透视的；

2、练出来的啦——“无他，但手熟耳”……

关于辅助工具和时间：我用尺子倒觉得用尺子更轻松些。——不过我不知道你指的是草图还是正式的表现图，如果是构思阶段的草图，我也不用尺子。但作正式表现图时，我觉得，还是用尺子更容易获得准确而有力的线条（当然，如果你的基本功很“疯狂”的话，不起稿、不用任何辅助工具都是可以的，不过这样的人我还没见过一个——包括那些老外“大师”在内）。一般来说，画一些较简单的，例如家装，标准间、餐饮包房之类的图，从起稿到画完，我大约需要两三个小时吧，要是很复杂的，例如餐饮大厅，就要七八个小时都不一定了……

关于马可笔：马克笔没必要成套买，遵循以下几点挑着买就成了：

1、灰色系列是必不可少的；

2、常用色；

3、鲜艳的颜色根据自己的画风、用色习惯挑选几支。我用的是普通A3复印纸，马克笔主要是美国PRISMACOLOR，有几支韩国

TOUCH；马克笔的用笔要多练——根据物体的结构来画会容易些！另外要记着多些变化，不要一种笔法画所有的东西…… 马克笔手绘的实际上犯了一个大部分人都在犯的通病——过于注重表面漂亮笔触，而没有注意到那些笔触是怎么来的，导致了前几张太紧而后几张又太放…… 我觉得，用笔触还是要讲道理的马克笔应该如何收笔? 那就要看你想要哪种效果了，可以落重收轻，可以落轻收重，也可以用力平均，但不论哪一种，都要干脆利索。因为马克笔这种表现工具的特殊性，在追求笔触的特殊韵味同时，也要注意其他方面——毕竟它也只是表现方式的一种，美术上的表现规则还是要遵循的。马克笔和水彩结合画时，可用水彩作大面积铺底，画一些色彩过渡比较柔和的地方，用马克笔画有力度和较精彩并比较“潇洒”（呵呵）的地方；马克笔的用笔要求比较干脆利索，但并不是所有地方都要求突出笔触，——用马克笔也可以画出一些舒缓的过度的；油性马克笔并没有只上一遍颜

色的要求（当然能够一遍画成那是最好），水性笔就只能上一遍色了；色彩叠加只要用色合理，无所谓怎样画，一遍一遍来就行了（不能用水性笔）；

最后一个问题把我难住了——怎样把握素描关系？用色彩去表现素描关系，我只能说多观察，多动笔，功到自然成啦… 零散心得：

1、效果图毕竟是实用艺术，不能过于个性（比如有些地方暗得连结构和细节都丢失了），能完美的表达出自己

的设计理念才是首要的；

2、做后期时要多下些工夫，让画面生活气氛再浓厚一些。从某种意义上说，风格就是一个人的另一个自我，我喜欢这种风格，也许在技法上还有很多需要努力的地方，但我以为没有必要总是在风格上变来变去——在一种风格还没能很成熟地去表现出来的时候，盲目的改变，我觉得并不是真正意义上的突破………… 我说的结构指的是按照物体的块面转折来画，不要过于夸张笔触，也不要所有的地方都用一种笔触来画。另外，你发的图太小，线看得不是太清，大的感觉来说略缺力度和变化。这倒还真没什么诀窍，——只有多练徒手速写，——单个家具，整体空间交错着练习，这个阶段尽量不要借助工具，也不要拿铅笔起稿。要注意脑、手、眼结合，脑子还是最重要的，画的时候多对比（成功的作品或实景照片），多思考。送给准备学习手绘的你

做为设计师来说，手绘的重要性，越来越得到了大家的认同！因为手绘是设计师表达情感、表达设计理念、表诉方案结果的最直接的“视觉语言”！

送大家两句话：

一是，手绘是最容易学的。 因为任何一门学科都有其自身的规律性，抓住规律性，才是学习的根本，手绘真的不难，其实就是四个字“比例、透视”。

要说的第二句话是，手绘是最难学的。之所以说难，是因为手绘的基本元素只有一个——线。作家是*写字生活的，写的每一个字都是字典里有的。人人都会写字，但真正成为作家的还是寥寥无几——每个人都会画线，但画出来的结果却大相径庭——有些人的线是僵硬的死板的，有些人的线即准确又充满“灵性”，处处闪动着手绘线条的美感；我说：“手绘是最容易学的，手绘是最难学的！”"手绘"的提高,不是"一朝一夕"就可以学好的,除了勤奋和努力之外,是没任何"灵丹妙药"的!要想学好手绘这门学科，还是要先打好基础，基础是关键，要学会“走”并要走得“稳”，然后再去想“跑”想“飞”—— 还有许多学生问：我也天天在画，为什么总画不好（或没感觉）？ 大路老师有一句十分经典的话，说的很准确：原因有两点：一是没用“心”去画，二是画的数量不够！ 我很赞同大路的话。

首先，你必须懂得每一种做图的原理和方法，如果你把原理搞懂了，画完A3，A4的复印纸各一包，能有2/3可以拿出来给别人看而自己不脸红的时候，你未来的路也就宽了——虽然和大路说的角度不同，但意思是完全一样的—— 那么，什么是手绘？它的真正意义又是什么？ 手绘，个人的理解是：通过手工绘画完成某种结果的绘制过程。是一个过程。 我们现在通常所讲的“手绘”实际上是一种简化了的概念化语言。“室内设计建筑手绘”是一个大的概念！

“手绘”可以划分为两个部分：传统手绘和现代手绘。把现代手绘定位在“现代室内设计实用手绘”上。 划分的目的，是便于理解，便于掌握，便于有针对性的学习！因为两者的表达方式、表达工具、色彩应用都完全的不同了（关键是画图的时间），“传统手绘”讲究的是：准确、细致、全面、完整！ “现代手绘”讲求的是：精炼、简洁、快速、生动！ “现代手绘”必须以“传统手绘”做基础！那是我们“起跑”和“腾飞”的基石——- 万丈高楼平地起。打好一个坚实的基础，是我们做任何事情的首要条件。这样的道理，人人都懂得！但真正的领悟并做到的却不是很多。谁都希望在很短的时间内取得成功，实现自己的计划，达到自己所希望的目标！然而，“浮躁”的情绪，“好高务远”“急功近利”的做法，又是我们学习和生活的大忌，要想取得事业上的成功必须扎扎实实、一步一个脚印的前行！这就要求我们，在这次学习中必须有一个良好的心态，树立一个正确的思想观，认认真真地按照既定的教学计划去学习、去训练、去提高！

先学会临摹，训练的方法如下：把优秀的图打印出来（A3或A4），把硫酸纸或拷贝纸覆在上面，用黑色中性笔准确画出图片上的空间结构和物体，要求线条细致、准确、完整、不添加和减少任何物体,不改变物体位置,画面干净、整洁！浅说设计师手绘草图

设计师手绘草图分“刻意草图”和“随意草图”两大类。

“刻意草图”是为表现草图而画草图，就象是绘画创作，表现的是要画的这张草图的效果，更注重的是画面效果而不是设计效果，这是设计师作草图的表现阶段。

手绘草图进入另一阶段可谓之“随意草图”阶段。到这一阶段，我们已可以把与设计创意无关的内容从草图上一一抛弃，真正还手绘草图一个本真的价值。这当中，颇有笔随意发的中国草书书法的意味，以设计意念驾驭笔端，

手绘草图完完全全真真正正成为将设计创意落实的一项工作。所谓“随意草图”，重在随意，表达的是设计师瞬间的设计灵感。

草图，是用来记录设计的一个过程，不是设计的最终目的。所以虽然草图的技法很多，但作为一个设计师不应是本末倒置地为追求技法而忽视设计本身，要知道，不论采用什么技法，其目的都是为了阐明你的设计。

作为一个设计师是离不开草图的，这是我从事设计事业十多年来的感悟。在做设计过程中，随意的勾画可以记录下你的设计思路，同时还可以给你带来瞬间的设计灵感。从平面方案开始我就喜欢随手胡乱勾画一些草图，由平面联想到立面、天花及整体空间，手中的笔在恣意周游之时，不经意间设计灵感已在脑海中浮现，再将瞬间的灵感快速的表达出来，那是何等的惬意的事，何等痛快的事。整个创意表现的过程是通过手和脑来完成的，决不是光动脑不动手的空想。随手描画可以为你汇聚很多感觉，然后再将这些随手勾画的草图加以整理交给电脑效果图设计师，只要他们同你有默契的配合，你的设计很快就被表现在电脑上。做效果图是这样，做施工图也是这样。你的设计创意由脑子通过你的手勾画出来，交给绘图师，凭他们的智慧和经验，一张张的随意草图经由电脑演变成了一张张严谨的施工图，这时候，随意草图就成了设计师与绘图师沟通最便捷的工具。在这种脑与手的对话中

，设计师的创意一步一步地由玄想变成现实。个人的手绘草图很少着色，这其中一个客观的主要原因是时间的****问题。像我们主要专业从事公共建筑空间的室内设计，常常都是大型项目，必须参与投标，基于国情的现状，甲方给的时间有限，色彩的处理只有凭自己的经验，附以文字来表达材料、灯光色彩的效果。从这一角度看来也可得知手绘草图的价值并不在于其画面效果的亮丽渲染，而完全在于它是一种创意的行为。总而言之，在做设计的过程中，设计师应将主要精力用在设计创意上，不要花太多的时间去表现图面的效果，应该多做些实实在在的事。手绘草图返璞归真究其根底是为设计创意的全面表达服务的，手绘草图的力度和分量也正体现在个个设计创意亮点的闪现上。在此以个人亲身感悟粗略表达一下有关于手绘草图的一家之言，不求其他，聊以抛砖引玉。

画好草图的最有效方法相信大家看过很多国外高手绘画的草图，他们以线条优美流畅取胜！其实，草图画的好不好最主要的看线条的曲直度。

大多数人之所画不好其实也就是线条不流畅，重复笔画太多，线条不直，或不圆滑的弯曲度。一般画着画着线条就开始粗了。就不自然了，这些最主要的问题！还有的就是透视不准确！！这一点在画草图的是候是一大忌讳！！但往往是犯之又犯，加上前面所说的问题草图画不好是自然的事了。看看老外的。（老外注重理论的实际应用，透视是画图的一个关键，所以在练习时很注意透视问题）当透视能解决好后开始着重线条的练习。

透视的准确和线条的流畅是认定好于不好的评判标准！还有一点就是对体积感的把握程度。（不得不承认老外作的好啊！）以上是让大家对画草图有个正确的认识。怎样才能画好呢？下?*依匆灰唤步?

1 先找一些透视书籍来认真学学，这一步非常重要！（线画的直透视错误等于零啊！）要深刻的理解透视的3大原理和基本方！

[同时训练空间想象力]线画得不好不要紧，但透视一定要准！切记啊！ 只要认了真的不出一个星期你就会对物体的透视基本了如指掌。

2 你觉的差不多了那就开始进级训练。不要看着物体画用默画的方式进行当然不是画简单的几何体了，如画画汽车的三视图，建筑物，人物的动作表情等看看你的能力吧！

3 如上面的训练你都完成的比较好了那恭喜你你以是60%的高手了。（为什么这样说，因为你以具备一个设计人员基本素质了也是最重要的素质之一。）

4

要把线画的准确到位首先练习画直线。执笔方法用画素描的方法去画，线不要画的太短要以较快的速度完成！看看你画的线吧！不行就多练练到画直为至！一般不须要很长时间，同时画几何较复杂的物体练练（等于在练透视和感觉）

5

画曲线，是一大难点，但认真练习决没问题。先练习画圆，用4点定位法和8点定位法来画，圆是由（圆弧=曲线）组成的，画好圆后画半弧=画曲线嘛！圆都画的好那么曲线自然画的好了。（画多了感觉就有了，那么画任意曲线也就不成问题了！

6 草图就是直线与曲线和透视的三者结合。要画的快，准，好，那么以上步骤是必须的！！！（老外画的好也是这样来的）所以我们不要怕！

7 以上的你都一一做好了，那么你已经挤如高手行列了90% 你如果对物体的质感把握很好的话那么97% 还有3%呢？因为没有100%的高手（不可能作到真正的完美）四点定位法是在一个圆上分出4个平分点（0度，90度，180度，270度，360=0度）然后用直线沿4点切出来，连起来后是不圆的，在在切线的中点大慨位置沿内线在切出来，看看圆些了吧！（原理与3D的多边形成型法是一样的）[主要练你的手感，练多了就对了。

8 就是丁8个平分点而已（要精确些，建议开始用8点，较好后用4点）素描最基本的执笔法是用手把笔横握与写字的方法相反。优点是平衡度高速度快（画素描起稿时和铺调子时用的方法）缺点是补易深入刻画。线画的直与平衡读是直接关系。这与打拳不一样因为在现实中没有人会用慢的方法去代替快的方法！（你的想法与我开始练是样的）在画画中执笔法只有2种（横握，直握）至于其他的方法都是在这基础上稍有变化而以。就象画超写实进入刻画阶段那样（大母指和食指紧握的前2/1处用幺指按着纸张一样，这种画法最大的优点是可以画出很细微的局部。缺点是不可能画出大面积的和线条很长的画来）所以用来刻画局部！每种方法有优缺点，但为了画草图而不是画好写实的和好精细的用我说的吧，决不和让大家走弯路！（有些老外用左手画，那是与他门的语言有关，英文的写法不限左右手写起来都顺手，但中文左手写起来级不顺手，但我相信大家没有用手写字的吧！总的来说是这样的，当然有时还是要活学活用，一定要会举一反三。

手绘技法基本５

手绘效果图画树木的技巧理论

树木

建筑绘画配景中树是最重要的部分，犹如建筑与环境绿化一样极为密切。不同树种的运用可以表现出建筑物的特定环境；不同风格的树可与建筑图相协调而使画面更加完美。这里的建筑配景树有平面和立面两部分。

一、平面树

建筑总图中的道路、庭院、广场等室外空间，以及一些室内设计，都离不开树木、绿地。树木的配置也是建筑师设计中应考

虑的主要问题之一。平面图中树的绘制多采用图案手法，如灌木丛一般多为自由变化的变形虫外形；乔木多采用圆形，圆形内的

线可依树种特色绘制，如针叶树多采用从圆心向外辐射的线束；阔叶树多采用各种图案的组团；热带大叶树又多用大叶形的图案

表示。但有时亦完全不顾及树种而纯以图案表示。

二、立面树

树的种类千千万万，形体千姿百态，立面的绘制方法亦多种多样。往往令出学者不知从何处入手，现将树分解成几个主要部分简述。

1、枝干结构：树的整体形状基本决定于树的枝干，理解了枝干结构即能画的正确。树的支干大致可归纳为下面几类。支干呈

辐射状态，即支杆于主杆顶部呈放射状出杈。支干沿着主干垂直方向相对或交错出杈，出杈的方向有向上、平伸、下挂和倒垂几种，此种树的主干一般较为高大。支干与主干由下往上逐渐分杈，愈向上出杈愈多，细枝愈密，且树叶繁茂，此类树型一般比较优美。

2、树冠造型：每种树都有其自己独特造型，绘制时须抓住其主要形体，不为自然的复杂造型弄得无从入手，依树冠的几何形体

特征可归纳为球形、扁球形、长球形、半圆球形、圆锥形、圆柱形、伞形和其它组合形等。

3、树的远近：树丛是空间立体配景，应表现其体积和层次，建筑图要很好地表现出画面的空间感，一般均分别绘出远、中、近景三种树。远景树：通常位于建筑物背后，起衬托作用，树的深浅以能衬托建筑物为准。建筑物深则背景宜浅，反之则用深背

景。远景树只需要做出轮廓，树丛色调可上深下浅、上实下虚，以表示近地的雾霭所造成的深远空间感。中景树：往往和建筑物处于同一层面，也可位于建筑物前，画中景树要抓住树形轮廓，概括枝叶，表现出不同树种的特征。近树景：描绘要细致具体，如树干应画出树皮纹理，树叶亦能表现树种特色。树叶除用自由线条表现明外，亦可用点、圈、条带、组线、三角形及各种几何图形，以高度抽象简化的方法去描绘。

4、表现技法：目前建筑钢笔配景绘画中，常见的有写实法与图案装饰法两大类。

写实法：真实地表现出树种的特征、体积，能给人以强烈的真实感。 图案装饰法：将大自然的树加以概括、简化、夸张、变化，用抽象的方法表现，与现代简洁的建筑图极易协 调，更能突出建筑的艺术效果。装饰绘法如画得好，是再现生活又高于生活的一种手段，也独具风格和特色： 如有的能明显地表现出树种特色，或枝叶茂密，或枯枝苍拙，可谓千姿百态，风格迥异。一个大三男孩眼中的手绘表现思维产生设计，设计由表现来推动和深化，环境表现以艺术形象的外化形式表达设计的意义。在设计程序中手绘表现是描述环境空间、形象设计更为形象直白的语言形式，它在设计程序中对创意方案的推导和完善起着不可替代的重要作用，是沟通与交流设计思想最便利的方法和手段，人可以通过手绘表现的便利通道来认识设计的本质内容和主旨思想。

设计是表现的目的，表现为设计所派生，脱离设计谈表现,表现便成了无源之水、无本之木。但同时，成熟的设计也伴随着表现而产生，两者相辅相成互为因果。手绘表现是判断把握环境物象的空间、形态、材质、色彩特征的心理体验过程，是感受形态的尺度与比例、材质的特征与表象、色彩的统一与丰富的有效方法，是在设计理性、直觉感悟、艺术表现的嬗变过程中对创意方案的美学释义。 手绘表现因继承和发展了绘画艺术的技巧和方法，所以产生的艺术效果和风格便带有纯然的艺术气质，其手法的随意自由性确立了在快速表达设计方案记录创意灵感的优势和地位。

一、技巧的作用与妙义

环境的表现过程是产生技巧和方法的本源基础，是刻画形象、塑造环境的思维过程。如果把表现技法理解为描述设计的形象语言形式，那么具体的笔法技巧就是构成这种语言形式最基本的符号，因此，技巧服从于表现过程的需要和规律才可章显其作用和意义。在建构环境形象的过程中，一个点、一条线形、一笔色块的组织和安排都是环境空间、形态形象、体面材质、色彩调子刻画的具体要求，对于点、线、面（色块）之间的构成应具内在的逻辑关系，而非貌合神离于形象整体的散漫无章，所以正确认识技巧间的相互关系是提升技巧按表现方法的要求达到艺术高度的思想基础。 设计师在对空间形象的四维理解中寻找表达的艺术规律非常重要，因为丰富的技巧产生于环境形象、形态特征、体面材质、色彩调子、构图布局的具体要求，也是设计师的艺术修养、造型功底、表现习惯、思维方法和性格特点的流露和体现，它如同旋律中的音色、调子中色彩的作用一样决定着形象语言的特色。由于手绘技巧和方法的自由和随意的特点，在丰富表现语言方面具有其他表现手段无法比拟的优势，艺术生动的技巧在设计师灵巧的手笔之间流泻并贯穿于表现的始终，是设计师能动艺术地掌控环境表达效果能力的体现，廖廖数笔利落于把握准确的形象特征之间，简炼而不单调，严谨而不呆板，笔法沉稳而流畅、转折变化而

丰富，形态准确而生动，笔顺有序而和谐，是艺术地增强画面效果感染力的有效手法。

表现的直接目的是设计，为表现而对技巧的浮夸和玩弄将成为形式的摆设，会脱离设计本质而失去表现存在的价值和意义，因此，对表现技巧的有效、生动和艺术性的把握是衡量设计师综合素养的一种标准。表现技巧的

干练和精道是技法走向艺术的开始，需要设计师在思学磨练中锤炼和提升，设计师只有从艺术美的高度认识技巧在表现中的作用和价值，才可在技巧对预想环境艺术效果的建构和诠释中赋环境物象一种精神和艺术和谐。

二、表现方法的艺术诠释

表现艺术必须成为调节人的视觉感受与图面艺术效果关系的重要手段，在此关系中表现方法就显得尤为重要。手绘是丰富而自由的，设计师应不为一种固有的概念和表现形式所困，而应利用和发挥各种工具的优势因势利导地去表达整体环境，不从僵化，格守„外师造化而不为造化所役‟之信念，才能不断的有所创新和突破，发现新的形式美感。古画论中就如何丰富画面效果已做过精辟论述，既所谓：“欲作结密，先以疏落点缀（笔顺的疏密安排）；欲作平远，先以峭拔陡绝（笔法的对比与丰富）；欲作虚灭，先以显实爽直（形态与空间的虚实关系）”，深刻地道出了构图的艺术效果与章法布局的关系。对于环境整体关系的表达方法，设计师应在把握环境物象的形、色、质的内在关系中得其要领，既在局部与整体、局部与局部的关系中，从局部入手深化去把握统一环境整体。环境空间的远、中、近景层次的先后处理、体面与体量关系的掌握、色彩与色调关系的理解、环境气氛与艺术效果都应做缜密安排，理性思考与感性表现应相辅相成，而不是相互羁绊的绳索，只有对表现方法的辨证理解才能达到“尽精微、致广大”的思想境界，在表现中方可得形内质、传象之神，达到形神兼备的艺术水平和高度。

设计师应明确地认识到技法的娴熟和精妙不能作为粉饰设计的装束，而应成为准确表现环境物象、调整艺术效果的有效手段。 在表现技法中没有铁定的规律和固定的范式可供效法，只能合理借鉴，不可一味模仿；不打折扣的生搬硬套不是艺术，也无价值可言，只有表现中的才学积累才是技法达到娴熟而自成风格的正确途径。

三、风格感性与艺术境界

设计表现在艺术的范畴中可以理解为感觉艺术，在理性设计与感性表现之间，设计师应始终保持在激情的状态中去发现、感受和创造美的事物，保留艺术美的新鲜感受，并同艺术灵感一起注入到具体的形象和画面之中。表现风格是设计师的表达习惯与技法个性在构图安排、塑造形态、表现色彩、协调画面效果中的反复、充分地体现，它的形成取决于设计师的四个素质条件：

1．设计师在长期设计表现实践中积累的方法和习惯。

2．设计师对客观物象美的敏感和正确判断。

3．艺术的先天灵性与后天修养双重具备。

4．具备思学磨练精神、善于感悟艺术哲理。

表现风格的形成以设计师的艺术素质为前提，是设计师运用技法表达空间、形态、色彩中形成的笔法形式特征和艺术个性。如果把设计与表现作为主、客体关系来认识，那么设计表现就应成为设计师主观能动地调整环境设计向艺术方向发展的有效手段。在设计与表现的直觉—理性—感性的能动转换中，设计师对美的感悟、灵性的触动、创新的意念一起揉进表现的形式中，风格的意向之美便逐渐地孕育而产生。与此同时，对某种风格特征和艺术个性的感受将产生特有的审美趣味和艺术感染力，以达到美感共鸣来带动认同设计的目的，以此为条件的设计交流和沟通将提升到艺术更高的层面上展开。

表现的艺术手法、形式和风格在审美范畴中是构成意境美的基本元素，其活力是烘托画面意境效果的决定因素，是设计师艺术感性地提升环境设计的美学价值基础。意境既：手绘表现所达到的环境美的艺术境界和高尚情调。对艺术境界的感受不能孤立于环境设计之外来认识，应明确表现形式的本质目的是提升设计的艺术价值，单纯为表现而失去设计的本质目的和方向的手法和形式将会本末倒置，失去设计表现的意义。在形式美的统一中合理地组织笔法技巧，克服笔法间的散漫无章而失之气韵，达到笔法丰富而生动、形态严谨而传神；构图平衡而不刻板，透视准确而不变形；布局新奇而有章法，使环境的整体形象按艺术构思的意愿发展和建立，表现效果才能达到美的和谐。手绘表现技法自由任意的性格、纯然质朴的品质、凝练艺术的手法，可感染和触动人的审美意识去感受艺术的神韵而进入美的意境，如同心灵感受天籁悠远而神奇的述说一样美妙，这就是手绘表现的价值和魅力所在。

在设计与表现实践中，美是设计师追求永恒而高尚的目标，对这一目标的追求是个艰难而痛苦的探索历程，在对美的探索、发现和创造过程中美可以上升至纯粹的精神境界。 精湛的表现技能成熟于不断的积累和思学磨练之中，在深遂的艺术之海中探索和追求，是对设计师的韧性、气质、品格的培养过程。就手绘表现而言，“约束中的自由”是手绘表现对技法的认知和表现思想在实践中逐渐归于成熟的表现，表现美是心灵感悟的成熟、是表现的自由手绘效果图的绘画材料与工具使用经验交流。

下面是几位网友对手绘材料和工具的感想。

网友甲：

看了很多的论坛很少有讨论关于手绘材料和工具的贴. 今天我就在这立一个贴 探讨一些比如纸张、钢笔、针管笔、马克笔、彩色铅笔.、水彩、 水粉....的一些特性和在手绘中的灵活运用.希望大家不要让我自己唱独角戏.都来参与一下.我手绘也是很菜.有些还要和各位学学呢！

后边我要说的都是自己的体会.本人不是大师可能说的一些是很简单的.呵呵

1. 首先说说---钢笔

钢笔是手绘的最基本的工具拉.钢笔的历史大概可以追述到公元前了.最显著的特点就是它便宜！方便使用.黑色的线条和白色的纸张构成的那黑白的对比，让我着迷.而且墨水不容易退色.复印 扫描后的效果也相对好一些.

我用的一般是那种速写钢笔.也叫美工笔.就是始馇懊嫱涞哪侵直?可粗可细.线条可以灵活运用（郑孝东的手绘 大概就是用的这种笔）.笔不一定要贵的.关键是合手.本人的钢笔一般都不超过20元。

速写钢笔最适合画那种线面结合的稿.这也是本人最喜欢的风格.画面层次感很好.线条样式多变.很爽的感觉。最近本人又买了一支英雄616，才5块钱，笔的线条很细，圆滑的笔身拿在手里很是舒服，而且很结实不容易坏。616可以画一些很细的线条，当线条被你组成图形之后又可以用排线画出一些阴暗面，整个画面给人一种简洁，轻快，透气的感觉。英雄在中国少说也坚挺了几十年了，很是经典，记得我爷爷就是用的类似的英雄钢笔，嘿嘿。

再说说针管笔.我习惯用那种一次性的，虽然有些奢侈，但我忍了！因为用灌水的针管笔我是有风的危险，太麻烦了，首先灌水就麻烦，用完了要清洗，不清洗的后果就是... ...本来画完图头都大了，哪还有心去清洗啊！

（本人可能惰性太大）不知道各位是不是有同感，一次性的画上去后一般不会有阴纸的现象，画上去就，这点也优于灌水的，否则你用尺画图的时候尺难免会碰到刚刚画的线，要是墨水没干的话，会有麻烦哦。但一次性的针管笔也有很多不足，首先就是小号的很容易坏，坏了就没法用，本人有一支是0.05的（哈哈 够细吧）画了一张图后就光荣下岗了，笔尖了.. .这次事件发生之后，鉴于以后的长期发展，就有了上?*姨岬降?-英雄616。我的针管笔也就不再用0.05的了改用0.1。

有人会问，为什么要用这么细的，嘿嘿，个人习惯嘛~~~我有时候会钢笔，针管一起来。钢笔的细是比不过针管笔的，我喜欢用钢笔画图后再用针管笔提一下细部或是点睛的地方。针管笔的线是机械的 远没有钢笔灵活，但有时候还是需要针管的那种机械，灵活运用！

蘸水钢笔本人没用过，不知道这里有用蘸水笔得朋友么，有得话说说心得，交流一下。叫俺也张张见识。- -0~

2.再说说彩色铅笔

彩色铅笔的种类好多，本人平时注意的就使线条的融合度，细腻程度和颜色色纯正与否。其实完全取决

你本人的用笔习惯.风格不同笔的选择也就不同，这里只是说说我本人的情况，决非定义~~

铅笔的质量感觉还是国外的优于国内的（决非崇洋媚外哦！~~~~~``）本人用过Berol Prismacolor 牌子的铅笔，色彩融合度很好 手感不错，但价格好象不菲。国内的一些也不错，大家还是根据自己的风格习惯去

找适合自己的就好。

3.俺们来说说水彩

忽然有种回到学画时的感觉.... 估计大家大多数是学美术出身的，对水彩想必大家都有着自己的见解，本人就的讲讲我粗浅的感受。

明快，透明！！水彩曾一度让我着迷，梦幻般的色彩可以随你的意愿去表达，可以写意般的去任意挥洒，矣可反复推敲细致的琢磨于质感的表现。效果图表现中水彩的优秀作品也层出不穷。但近年来由于我们伟大祖国在***的正确领导下科技，经济迅猛的发展，某程度上使得效果图水彩的长期作品渐渐的少了。但还是有很多纯水彩和水彩为主的综合表现的作品。

本人用的水彩是中英合资的天津出的 “Winsor &

Newton”自我感觉使用良好。国产马力的也很好，国外的一些产品那就不用说了价格... ...

画笔很重要，但也是看你自己的习惯，雕毛的属上品，但手绘毕竟不是纯绘画，用笔也不大一样，国画中的大白云 ，叶筋... 水粉笔，尼龙笔都很好用.尼龙笔用的感觉过一些,这种笔关键是看毛材质的好坏,不能分*要整齐,我用的就是一种进口的尼龙笔,质量还说的过去,价格合理,我还有好多种的笔,这主要是看你自己的绘画习惯和风格.

4.马克笔

嘿嘿这个就不用多说了吧,大家最了解的了,水性和油性的质量颜色上是有很大差别的,推荐买油性的,贵也贵不哪去。我知道的便宜一些的油性马克,有8元左右一支的 韩国产的,还有一种是9多的是美国的.再贵的对于我来说就是奢望了,说也白说....无奈.

5、有笔就要有纸,说说纸张

本人平时画着玩的就是A4

复印纸10多元一包,500张啊!!你画完足足两包后你就会欣喜的发现你的水平有很大的进步了,前提是不能糊弄.其他的纸一般没有什么太高的要求,图画纸,素描纸,水彩纸,硫酸纸,新闻纸,......

杨建老师有的作品有的就是用新闻纸画的,感觉很好.其实完全可以不用什么速写本之类的,价格很高,而且有的纸用钢笔画的时候容易起毛,很无奈的.

网友乙：

钢笔是手绘中最基本，也是最方便得手的工具。一切大都以钢笔为开始.你说的对，现在生活的快节奏，让人们没时间去画那些长期的图了，但你要是喜欢的画，还是不要去放弃。时间总是有的，看你怎么去获得时间平时有时间，有空闲就画，也不一定去画和行业有关的东西不要为了什么而去画什么。线条是手绘的灵魂，我们要练的就是那条线。

网友丙：

你好！

首先说我也不是高手.我也是学生.并且和很多大学生一样.正在为着那迷茫的前途挣扎...我和其他的朋友说过“大家都是在中国这个设计的大环境下混口饭.而手绘只不过是个要饭的碗.为了能吃到更多一些的饭不得不

把要饭碗擦得亮一些”

看了你的图.感觉还可以.但有些生疏.手绘没什么概念可背.也没什么窍门.需要做的就是用数量来充实.很多的优秀作品可以去临摹.大量的临摹.每个人都有这个过程.平时笔要随身带着.不一定画效果图的，看见什么自己喜欢就可以画什么，别有压力，如果怕别人看见，可以找个静的地方自己画（自己在一个静静的地方画画的感觉是很棒的！）这样坚持一段时间后，你会有个相对的提高。

手绘设计的工具和材料

1. 基本工具

1) 绘图用具：绘图铅笔、自动铅笔、针管笔、签字笔、彩色水笔、麦克笔、金银黑白笔、荧光笔、毛笔、喷笔、排笔、水彩画笔、鸭嘴笔、蘸水笔、铁笔等。 绘图铅笔、自动铅笔、针管笔、签字笔： 画设计初稿时，运用最普遍的工具。 彩色水笔、麦克笔、毛笔： 用于描绘、着色。 金银黑白笔、鸭嘴笔： 用于细部描绘，勾勒和刻画，画物体的高光部位。 排笔、喷笔： 用于涂背景，大面积着色。

2).绘图仪器

绘图用的工具，宜求正确、精密、优质产品，误差小为好的绘图仪器。

直尺、丁字尺、曲线尺、卷尺、放大尺、比例尺、三角板、槽尺（自己制作，市?*奘郏⑶懈钣玫闹背摺⑼蚰芑?BR>图仪、大圆规等。

3).其它用具

调色用具：调色盘、碟、笔洗。 色标、描图台、制图桌、工具（包括裁纸刀、刻模用的各种美工刀和刻刀,以及胶水胶带）。

2. 应用材料

随着工业设计专业和科技的迅速发展，设计材料日新月异，品种繁多，设计工作者只要留意材料的信息，适时恰当地选择材料，运用到设计当中去，可取得事半功倍的效果。

1).颜料

水彩颜料、压克力颜料、广告颜料、中国画颜料、荧光颜料、彩色墨水、针笔墨水、染料，还有照相透明色等。

2).纸张

设计用的纸特别多而杂，一般市面上的各类纸都可以使用。使用时根据自己的需要而定。但是太薄、太软的纸张不宜使用。一般纸张质地较结实的绘图纸，水彩、水粉画纸，白卡纸（双面卡、单面卡），铜版纸和描图纸等均可使用。市面上有进口的麦克笔纸、插画用的冷压纸及热压纸、合成纸、彩色纸板、转印纸、花样转印纸等，都是绘图的理想纸张。

但是每一种纸都需配合工具的特性而呈现不同的质感，如果选材错误，会造成不必要的捆扰，降低绘画速度与表现效果。例如，平涂麦克笔不能在光滑卡纸上和渗透性强的纸张上作画。

3. 几种材料及画法特点

1).水彩颜料

水彩颜料是传统的画设计图的材料，一直用至今日。

水彩颜料多数较透明。要把设计图简单而迅速完成，只需以线条为主体，再涂上水彩颜色，即可。如铅笔淡彩、钢笔淡彩。水彩可加强产品的透明度，特别是用在玻璃、金属、反光面等透明物体的质感上，透明和反光的物体表面很适合用水彩表现。着色的时候由浅入深，尽可能避免叠笔，要一气呵成。在涂褐色或墨绿色时，应尽量小心，不要弄污画面。

2).广告颜料

广告颜料具有相当的浓度，遮盖力强，适合较厚的着力方法。笔道可以重叠，在强调大面积设计，或想要强调原色的强度，或转折面较多情况下，用广告色来画最合适，广告色不要调得过浓或过稀，过浓时则带有粘性，难以把笔拖开，颜色层也显得过于干枯以至于开裂，过稀会有损于画面的美感。

3).麦克笔

麦克笔是一种用途广泛的工具，它的优越性在于使用方便，速干，可提高作画速度，它今天成为设计室、室内装饰、服装设计、建筑设计、舞台美术设计等各个领域必备的工具之一。麦克笔的样式很多，在此仅介绍二种常用的。

(1) 水性

没有浸透性，遇水即溶，绘画效果与水彩相同，笔水形状有四方粗头、尖头、方头、适用于画大面积与粗线条，尖头适用画细线和细部刻画。

(2) 油性

具有浸透性、挥发较快，通常以甲苯为溶剂，使用范围，能在任何表面上使用，如玻璃、塑胶表面等都可附着，具有广告颜色及印刷色效果。由于它不溶于水，所以也要与水性麦克笔混合使用，而不破坏水性麦克笔的痕迹。

麦克笔的优点是快干，书写流利，可重叠涂画，更可加盖于各种颜色之上，使之拥有光泽，再就是根据麦克笔的性质，油性和水性的浸透情况不同，因此，在作画时，必须仔细了解纸与笔的性质，相互照应，多加练习，才能得心应手，有显著的效果。

4. 喷笔

喷笔是一种精密仪器，能制造出十分细致的线条和柔软渐变的效果。当时喷笔的作用是帮助摄影师和画家用作修改画面的。但是很快喷笔的潜在机能被人们所认识，得到了广泛的应用和发展。喷笔的艺术表现力，惟妙惟肖，物象的刻画是尽善尽美，独具一格，明暗层次细腻自然，色彩柔和。随着科学技术的飞速发展，喷笔使用的颜料日趋多样化、专业化。喷笔应用的范围越来越广。已涉足一切与美化人们生活相关的领域，作品显见美术厅、广告招贴、商业插图、封面设计、广告摄影、挂历、画、建筑画、综合性绘画。喷笔技法在高等艺术院校作为一种必修课，成为艺术造型中强有力的表现技法。

喷画常用颜料

一般说来,凡是颜料溶剂调和后,颗粒比较小,均可作为喷画用的颜料。

水彩类、树脂类、油采类这三种类型的颜料，以水彩类使用最为广泛，下面就介绍下水彩类。

水彩类包括： 水彩、分粉（广告颜料）、墨汁、彩色墨水、中国画色等。

水彩：指管装的，它具有半透明性质，颗粒细，附着力强，但覆盖力弱,若和水粉色套用,效果更佳。

水粉色：应用很广，色素纯正，色彩鲜明，不透明，具有很强的覆盖力。

中国画色：兼有水粉、水彩的特点，是理想的喷绘颜料。

每一种颜色都要掌握它的性质，如黑色等矿物质的颜料颗粒较粗，需要研磨以后再用。如桃红、曙红、玫瑰红等色被覆盖力较差，常有泛色现象，喷画时应谨慎使用。墨汁是不透明的黑色颜料，色质细腻均匀，是喷绘作品黑白作品的上等颜料。彩色墨水其色素由微粒子组成，有独特的光泽和鲜明的色调，透明度好，可补充画面的色彩而不失其画面的结构清晰，也可和其它颜料混合使用。

随着喷笔使用越来越多，其颜料日趋专业化，国外已生产出专业的喷笔颜料，备受艺术界的青睐，其艺术语言表达 更加完美，更加成熟。

5. 电脑

随着科技的飞速发展，电脑已经成为一种最新的设计手段。快速表现技法练习的捷径。

很多同学已经意识到没有硬功夫，就没有就业出路，所以，我在这里简单的对学习快速表现进行介绍，希望能对大家起到帮助作用！

关于快速表现的练习，我经过多年的总结，对同学的练习应该还是有一定的帮助的。

首先你要给自己一个“五月计划”，合理的安排每一时间段的学习计划。对于快速表现不需要太长时间，只要你每天坚持一个小时或两个小时。

在第一个月的时间内，把半透明的硫酸纸压在透视线稿图的上面，进行严谨的拷贝练习。（主要练习线条的曲滑流动性，寻求生动的线条魅力，同时要总结透视规律）

在第二个月内，把硫酸置换成A4的复印纸，不要再压到线稿资料上面了，而是把图放到旁边进行抄图练习。（主要练习透视规律，清楚表现图中线稿的结构关系和前后遮挡关系）

第三个月，找一些电脑效果图片用硫酸纸进行拷贝（这主要锻炼把图片转换成线稿的能力，同时还能对图片的概括能力起到锻炼！）

第四个月，对着电脑效果图或实景图片进行勾画练习，（这个阶段主要锻炼从图片变成线稿的综合训练，此时，你离成功不远了！）

第五个月，进行上色练习。上色是个更概括、更系统的过程，这些具体的步骤在我的其他博客文章中可以看到。