立体声混音(立体声混音和麦克风区别)

说到混音艺术这个主题，我会感到有点紧张。毕竟，相对于我写的很多主题来讲，这一个是非常带有主观性的——某些人认为优秀的混音可能是其他人眼中的噩梦。适用于某一音乐流派的处理方式可能会误导另一个流派。

但是，就算这之中存在这么多的变量，我们还是能找到一些适用于大多数项目的通用技巧。在这里，我们不打算逐步地去讲解两轨混音，而是选择给大家解释一些基本的概念。

在优秀的立体声混音中，每样乐器都需要在立体声声场中保有清晰、平衡、独立的特质。

立体声混音的概念是建立在人类大脑构造和生理机能上的。“真正的”立体声混音需要制造出声音画面，通过耳朵的重制，最后交由大脑解码而得。比如说，声音到达两只耳朵的时间和音色差异会让大脑做出不同的判别。理想情况下，立体声混音需要做到尽可能接近自然和真实。

在真实世界里，制作立体声混音的大部分过程都没法和自然沾上关系。究其缘由，也是考虑到实际操作的难度。在真实的表演中，声源混合的主要原因是场地的声学环境，每样乐器都会带有这个地方特有的痕迹。而录音室里，我们会分开录制每条音轨，保持较干的设置，以便之后通过技术来控制我们听到的环境氛围。

在实际操作中，我们不太会去重制真实的环境，更多地是在各种音乐元素间建立良好的声学平衡。可以这么说，相对于在你面前表演的乐队，这些混音处理只是一种勉强能蒙混过去的重组。

之前我说过，优秀混音的评判主要依靠听众的耳朵。大部分工程师会认同以下的这些特点：

清晰度：混音中的每个声音都应该干净——声音或立体声声场不能模糊不清，噪声量或其他异常现象必须受到控制。

独立性：每样乐器都应该能轻易地分辨出来。当然，如果你追求的就是“声墙”效果，那也无可厚非。不过，即使是那些厚重的吉他声，在优秀的混音中，同样是清晰可辨的。

平衡：混音需要有良好的频率平衡。太多低频或高频都会让听众觉得糟糕和疲惫。同样，混音的左右声道也需要保持平衡。

空间：与平衡一样，空间也涉及到很多方面的应用。音乐本身需要有空间——音符间的空间，让人有喘息时间，动态有发展的机会。当然，根据音乐流派，这一点会有不同。同样，每样乐器都需要有自然的氛围，不同乐器的氛围应当彼此融洽。

无须赘述，仅凭单独的某个特点是无法构成完美的混音的，而缺少任意一项也会让混音出现问题。

毫无疑问，要做出优秀的混音首先得有不错的录音。尽可能获得最干净的音轨，不要有过多的噪声或失真。最重要的是，不要忘记在录音的同时仔细监听。监听的目的并不只是防止犯错，更多地是防止噪声和其他奇怪的声响。如果折返去重录某个部分，将耗费更多的精力和时间。所以，不如一次就录好。

从一开始就考虑好编曲也是很重要的。只向编曲中加入需要的内容，不要多次叠录，以免弄得太乱。尝试将保留的音轨数降到最小；要知道，为了一条音轨去听几十条人声或独奏是一件多么令人崩溃的事。

实际上，在录制的同时就要准备混音，这可能是大家在录音中最容易忽视的问题。尤其是现在的DAW能容纳无数的音轨，所以你很容易就放开手去录制另一条轨道，而不思考它是否合适。这些看似节省下来的时间，会在混音过程中偿还的。

用太高的音量混音会影响你对声音的感知，以上这些响度等高线清晰地阐释了这一点。

跟艺术创作一样，每个人都有自己的一套技巧，适用于我的也许并不适合你。但有一些要点是相通的。第一，是保持清醒的头脑进行混音。如果在八小时的录音后开始混音，那明天你肯定需要再重新来过。第二，尽量保持较低的电平——太高的音量会不可避免地会影响你的听觉感知（关于这一点，可以搜索“等响曲线”）。

当你混音的时候，记得要经常改变自己位置。当你坐在“最佳听音点”的时候，可能会没有问题。但真正拿到大厅中或通过大音箱或汽车立体声系统来播放时就不一定了。

我们都知道，很多人喜欢从视觉上来对比混音，甚至有很多研究在强化这个概念，它们通过不同颜色的“魔法球”来显示混音中各个部分的摆放位置。这是一个有趣的方式，不过，我个人还是倾向于抛开视觉。我更喜欢在混音时闭上眼睛。排除视觉干扰后，我的注意力会更加集中在我所听到的内容上。

在混音的过程中，你需要定期做单声道检查。这么做的主要目的是避免立体声声源（如吉他和键盘）发生相位问题。

单声道检查还有其他的意义。以单声道进行监听会让混音“变得平面”，从而能以另一个角度去观察各个轨道的自然分布情况。如果声音在单声道系统中听起来干净且易辨别，那么基本上在立体声中也会很好，反之则不然。

对立体声混音做单声道检查和直接在单声道下进行混音，再扩展成立体声是有区别的。虽然我接触到的很多工程师都认可这样的技术，但我自己认为（略主观），立体声混音是完全不同的方式，就像环绕声与立体声之间的区别一样。

在大部分情况下，低音最好死死地放在中央。因为它们缺少指向性，具有最多的能量。

在立体声中，为每一个鼓的部件构建自然的空间。

在摇滚或流行音乐中，鼓和贝斯是大多数人最先考虑放置的元素。不过，这并没有强制的要求。大部分混音会以观众的视角设置鼓的立体声声场，底鼓和军鼓放在中间，踩镲稍微靠右一点，吊顶放在极左极右的位置。

接着，根据通鼓和鼓手自带的部件数量，在立体声声场中进行自然地摆放。比如，如果鼓手有三个通鼓，通常我会让中间的那一个保持不动，根据我所要的声场宽度，将另外两个分别放在9到10点钟和2到3点钟的位置。

当然，前提是录音过程按照标准的录音技术进行，在每个鼓上都用了单独的话筒，一对吊顶，甚至有一些用来拾取房间氛围声的远距离话筒。大部分情况下，混入的吊顶声和房间氛围声越多，每个鼓的位置清晰度就会越低。

话说，我做过一个只用了四支话筒录制的项目——一对立体声话筒，放在距离套鼓几尺外的地方，氛围话筒放在距离房间角落大约15尺的地方。制作人是很有经验的老手，但我们光花在挪动话筒上的时间就有几个小时。

这样处理的鼓混音，虽然有一些自然的立体声氛围，但本质上还是接近单声道。你可能会觉得缺少深度，但结果不仅如此。实际上，它缺少声像和氛围，所以让声音过于明显，贴近人脸。

对吉他进行立体声混音是给混音增加深度的好办法，特别是在很拥挤的混音中。将吉他展开会给贝斯以及其他集中在中间的元素让出空间。尝试去掉一些中低频，即声音中模糊的部分——特别是对于厚重的箱体。增加高频也能收到一些成效，但可能会引入手指的噪声。

尝试使用一对指向性话筒来录制原声吉他，一支指向琴箱声孔的下方，另一支指向琴把。将它的声像放在9点钟和3点钟的位置，会获得不错的立体声声场。或者，你可以尝试使用M/S话筒技巧。

推荐的吉他立体声录音配置。

叠录吉他是另一个增加深度的方式。将原始部分放到一边，增加延迟（从5到15ms开始），将延迟的返送放到另一边。加入一点不同的混响和/或EQ设置能让厚度增加更多。

手动叠录吉他（实际上就是同一部分录两遍）可以获得更加有趣的结果。试着用两把不同的吉他录制同样的部分。如果实现不了，可以尝试用不同的起音或品柱来录制同一部分。比如，如果歌曲是G调的，第二遍录制的时候就从第5弦的品柱开始，以D调演奏。或者，向下一个全音，用A调演奏。

另一种单声道叠录吉他的方式是将它通过吉他放大器或用话筒在房间的两个不同位置对放大器进行拾音。或者，让音轨从两个不同设置的放大器上通过。

主人声通常都放在中央靠前的位置，但是背景人声可以有不同的尝试。在立体声声场中将它们铺开，可以增加音轨的宽度，但尽量不要分得太开——9点钟和3点钟位置就可以满足大多数的混音了。对于大部分的背景人声，都可以尝试加入效果；一点大厅混响和合唱，可以让它们在整个混音中融合得更好。

将背景人声放在极左和极右的位置，主人声放在中间也是通常会用到的技巧，适用于大部分的情形。但有的情形会不同，你可以尝试让主人声稍微偏向一边，背景人声偏向另一边。

不要害怕混音中出现不对称的元素。对于一些弦乐和合唱效果较重的铺垫音色，将它们的声像摆得很开，能够让它们在混音中突显，即便它们的音量不是很大。另外，也可以尝试相对较窄的声像摆放，比如1点钟和3点钟。当然，你可能会想要引入一些其他的元素到另一边来做平衡，但那样会让混音变得模糊，缺乏焦点。

尽可能让混音中有一些元素是单声道的。虽然那些丰厚的铺垫音色和混响本身听起来不错，但一轨轨地堆叠起来会让你的混音变得混乱。保留一些单声道的部分，能让各个元素的定位更加明确。使用单声道混响能够增加氛围，同时不破坏指向性。

另一个有效的技巧是使用经过延迟处理的混响来取代简单的声像摆放，这样得到的声响氛围将更加自然。将原始的轨道放在大约9、10点的位置，增加一个短的延迟（低于10ms），将它的声像打到另一边；然后，给延迟信号加入一点混响。这样会比只用声像控制多了一些自然的感觉。原因是：我们的耳朵和大脑根据不同的听觉线索来接收声源，包括时值、电平以及两耳间音色的差异。而声像只确定出了电平间的差异。将一边的声音做延迟处理，加入一点反射，能够制造出更加自然的氛围。尝试去掉延迟声音中的部分高频，能够复制出你的大脑中对声音的重制效果。

另一个加宽音轨的办法是将音轨摆到一边，再加入立体声混响；这样的结果比较自然，在另一边通道会有一点点声音的渗入。或者，可以在立体声轨道的一边加入些微单声道合唱效果。让声音在扬声器之间进行运动也可以增加有趣的深度和宽度，这种方式特别适用于弦乐和铺垫音色。

虽然我尽力围绕通用的概念来写，但混音这个主题很容易发散出去。最后，我给你们留下了两个要点。

第一——一切以歌曲为重。无论你在混音中应用了多少酷炫的技巧，如果不适合这首歌，那么就没有作用。仔细聆听歌曲，加入它所需要的——别的就免了。

另外，第二点，是我几乎每一次都会强调的——耳朵是最重要的工具。学会去听音乐是最重要的，无论是对于演奏、录音、混音或母带处理。不要害怕去尝试新的事物。记得，永远让你的耳朵来做向导。

来自乐极客