毕加索哭泣的女人

2024年2月8日发(作者：关达昌)

毕加索哭泣的女人：

《哭泣的女人》1937年作，布面油画60.8厘米×50厘米，英国伦敦塔特陈列馆收藏 作者毕加索。这幅画刻画了一位极其悲伤的女人，悲凄的命运和感情由粗放的颜色和劲利的笔触反映出来。人物的眼睛、嘴唇、鼻子似乎杂乱无章，支离颠倒，具有常人难以理喻的特点。这幅人物画是毕加索不朽巨作之一，女人脸部扭曲和断裂的方式是立体派手法的一个发展。《哭泣的女人》是毕加索于现代派艺术中最具先验性效应和性格特征的杰出肖像作品，是立体派理念的一个发展，他在艺术里果断地把丑化为美，同时又在现实中义无反顾地使美向丑沉沦。《哭泣的女人》，也是毕加索后期畸形女人作品中最动人的一幅。有人说，他把自己给了魔鬼，把画笔给了上帝，而对于这一幅作品，他把痛苦给了女人，这个女人，就是朵拉·玛尔。毕加索仅以一些散乱而紧凑的线条、剧烈变化着的粗犷的颜色和挺直有力的笔触轻而易举地表现出来。女人的面部因无法控制的情绪而痉挛，悲愤的大眼和前额颠倒支离，眼睫毛是齿轮般的，眉毛是倒悬的锯齿般的，特别是那引人注目的嘴唇和牙齿之间凄凉的蓝白色域上，由于悲伤而破碎；她面色忽黄忽紫，浸透着墨绿的苦涩；她长着钢丝般的头发，头顶的帽子红得让人心焦；她用手撕着自己的脸，泪如雨注，声嘶力竭地放声大哭，哭得使人心烦意乱。扭曲和断裂的，不只是一种线条的表现方式，更是极度痛苦的心灵。

加索《哭泣的女人》这幅画，并不是一幅肖像画，而是对这个哭泣的样子加以立体方法的表现，他让我们看到一个表面哭泣伤心地女人，在内心却充斥着仇恨，报复。

立体主义的表现方法，可以很好地解决表现复杂矛盾的内容。

这里简单说明一下这幅画的表现方法，以便于大家先可以看懂这幅画的表面的东西:

1、《哭泣的女人》背景是暖红色的，为的是让女人的面部的绿调子，显出悲伤地感觉；

2、悲伤还表现在一对眼睛上，眉毛悲蹙，眼睛圆睁，是正面对着我们的。这就是说，她面对我们的是悲伤地，痛苦的，祈求怜悯的一面；

3、然而，侧面向着方的牙齿嘴唇，却是用力撕咬着方帕，手指还在撕扯；这表示她的另一面是痛苦中满含着仇恨，报复；

4、女人的绿色面部，似乎被撕开了，使方帕、牙齿、嘴唇的白色形成被解开了的部分，让我们感觉这是毕加索揭开了悲伤地表面，露出了白森森的恐怖的内里；

5、立体主义方法，有表达时间的动态意义 。我们看到，毕加索在她的面部画了很多手指，有在抹眼泪的，有在撕扯方帕的，这在示意，女人在重复着这两个动作；而正面的悲伤地眼睛，和侧面的紧张的嘴牙，也示意这两种状态在不同时间场合存在的重复表现；

6、女人头顶上的红色饰花和暖红色背景，也是对女人内心的那种激烈，冲动的情绪给以烘托；

7、立体主义，其实不立体，他其实很多地方示意勾线平涂的方法。之所以人们称他为立体主义，是因为，它把从一个角度看不到的另一面也在同个平面表现出来。那我们不禁要问，这样画就高明吗？意义在哪里？立体主义不单单把不能同

时看见的画出来，重要的是，把同一个对象不同的意义的内容也表现出来，而且，还示意这个不同的东西在不同时间里，是某种连贯的动作。这就蛮高明了吧？

马蒂斯夫人像：

加索《哭泣的女人》这幅画，并不是一幅肖像画，而是对这个哭泣的样子加以立体方法的表现，他让我们看到一个表面哭泣伤心地女人，在内心却充斥着仇恨，报复。

立体主义的表现方法，可以很好地解决表现复杂矛盾的内容。

这里简单说明一下这幅画的表现方法，以便于大家先可以看懂这幅画的表面的东西:

1、《哭泣的女人》背景是暖红色的，为的是让女人的面部的绿调子，显出悲伤地感觉；

2、悲伤还表现在一对眼睛上，眉毛悲蹙，眼睛圆睁，是正面对着我们的。这就

是说，她面对我们的是悲伤地，痛苦的，祈求怜悯的一面；

3、然而，侧面向着方的牙齿嘴唇，却是用力撕咬着方帕，手指还在撕扯；这表示她的另一面是痛苦中满含着仇恨，报复；

4、女人的绿色面部，似乎被撕开了，使方帕、牙齿、嘴唇的白色形成被解开了的部分，让我们感觉这是毕加索揭开了悲伤地表面，露出了白森森的恐怖的内里；

5、立体主义方法，有表达时间的动态意义 。我们看到，毕加索在她的面部画了很多手指，有在抹眼泪的，有在撕扯方帕的，这在示意，女人在重复着这两个动作；而正面的悲伤地眼睛，和侧面的紧张的嘴牙，也示意这两种状态在不同时间场合存在的重复表现；

6、女人头顶上的红色饰花和暖红色背景，也是对女人内心的那种激烈，冲动的情绪给以烘托；

7、立体主义，其实不立体，他其实很多地方示意勾线平涂的方法。之所以人们称他为立体主义，是因为，它把从一个角度看不到的另一面也在同个平面表现出来。那我们不禁要问，这样画就高明吗？意义在哪里？立体主义不单单把不能同时看见的画出来，重要的是，把同一个对象不同的意义的内容也表现出来，而且，还示意这个不同的东西在不同时间里，是某种连贯的动作。这就蛮高明了吧？

二、《马蒂斯夫人像》的绘画语言分析

马蒂斯一生致力于形式与色彩的发现，并阐明两种相反的方式：思索暖色与冷色在印象主义中的分界以作为形式；从反色系中去揭露光的表现。在这一时期

作品中，马蒂斯用纯色的对比关系描绘对象，笔触大胆奔放，整体画面给人感觉色彩浓烈而又艳丽，但却不失整体色调的和谐。《马蒂斯夫人像》里，补色与补色之间形成的关系对比中，反映了自然的光的本质。这幅作品，是马蒂斯在色彩上的第一次大的突破，并且也是其早期作品中最为成熟的作品之一。

1、艺术空间的营造

马蒂斯曾经说过：“描摹自然对于我来说不再是重要的了，我为什么要去真实的描摹自然提供给我们的无限多的物体？对于我来说，更重要的是对情感的表达。”他宣称自己的作品追求的是表现，认为这种表现存在于绘画的全部要素中。表现不是由人的面部表情，也不是通过一个强烈的动态所反映的激情来达到和完成的。而且人物或者物象所占有的空间，他们周围的空白、比例都在发挥作用。所以在《马蒂斯夫人像》中，马蒂斯摒弃了空间的模仿，将空间交给画画，在画面中形成了一个独立的艺术世界的空间。

作于1905年的《马蒂斯夫人像》，画中的色彩把原本相抵触的强烈和沉静完美的结合起来，在看似平面的人物头像上，浓黑的眼睛和眉毛原本是显得突兀的，但通过沿着面部正中间的那条绿线，又变得是那么的恰如其分。同样还是这条绿线，把黑色的头发和绿色的衣领，把面部和背景衔接起来，似乎整个面部的造型和皮肤的起伏，都凝结在其中。在背景和衣服上，是排斥了传统色彩观念的红和绿的对比，强烈耀眼，构成了一个平面的沉静的画面。而这种原本强烈的对比又如此沉静的调和，得益于马蒂斯对艺术空间的理解运用，从而把一幅构图普通的画面，通过色彩的空间构成，造就了一幅杰作。

2、画面结构的探索

绘画艺术离不开结构，由点、线、面等绘画因素所构成画面总体的形式感觉，也就是一副完整作品应具有画面艺术效果。马蒂斯在突出“平面结构”的基础上，更注重画面整体的构成，以及线条的简洁与形体的简约。阿道夫·希尔勃兰特曾说：“如果我们想从所有的视点中获得雕像的清晰画面，那么可以说必须有一个统一的平面围着人像转，把它完全包围起来。”[3]

在《马蒂斯夫人像》中，马蒂斯同样将画面的结构恰如其分的分割开来。人物右侧窄长的空间，与左侧被挤压的两个小空间形成了对比。人物头部和发饰形成的倒三角与面部周围的形又形成了呼应。并且在整个的倒三角中，面部的小

倒三角，与面部下方领口所形成的三角形，又在方向、大小、色彩和面积等方面，拉开了距离。而且两个肩膀也在面积与三角形和长方形之间做出了差异性的选择。

在人物的面部中，眼睛已经开始跳出传统透视的范畴，两只眼睛都近似平面化的呈现，但毫无生硬之感。外部的轮廓线和内侧的脸颊线，紧紧的将面部的架构和色彩聚合在一起。这都展现出马蒂斯对画面结构的把握，正如同他的绘画创作过程是一个非常缓慢的过程一样，他在长时间不断的调整，直到色彩与色彩、形与形、色与形之间确实达到他认为的平衡为止。

3、色彩表象的突破

马蒂斯被人们尊称为20世纪最“杰出的色彩大师”。其原因是“人们完全被这位理性的人所吸引是由于他那具有说服力的用色，这种色彩比画家们迄今所能做到的任何东西都更强烈，更富有独创性，更不依赖日常经验。”[4]

马蒂斯认为：“一切，甚至色彩，都是创作。在描绘客体以前，我先描述自己的感觉。一切（无论是客体或色彩）都需要重新创作。”[5]关于这一点，在马蒂斯的绘画作品中表现的尤为突出。野兽派时期，他喜欢用纯粹、鲜艳的色彩语言，色彩成为主体和中心，成为突现的绝对价值，而形象只是附庸品，一个基本的结构符号。

《马蒂斯夫人肖像》中马蒂斯用大面积的对比色：红色与绿色来组织画面。更有意思的是在人物脸上出现了一条绿线，这条绿线在画面中的作用就是联系和协调画面。如果试图去掉这条绿线，画面就会变得很不协调。其中马蒂斯还在这幅画面的背景中运用了少量的紫色和脸上的橙色形成对比，这即增加了画面的丰富性，也使色彩在大面积的对比中求得和谐。绿色、红色与蓝紫色构成的背景中，在女主人脸上的黄色、蓝紫色头发以及红色的衣服和绿色衣领的共同配合下，产生了即对比又和谐的画面效果。

《马蒂斯夫人像》里，补色与补色之间形成的关系对比中，反映了自然的光的本质。马蒂斯在画中，无拘无束的将鲜艳的色彩涂抹在形象上，色彩具有一种简洁的透明感，同样，画家尝试着描述视觉经验、直觉冲动与心理空间三者本质而又统一的和谐关系。马蒂斯曾经说过：“每当我凭着直觉出发时，我总感到自己更能确切的呈现自然的本质，而经验也证明了我的看法；对我而言，自

然的本质永远是现在。”[6]

三、《马蒂斯夫人像》的美学价值

19世纪末的西方艺术家们，把中国和日本的绘画当成一个崭新的艺术天地，马蒂斯也说；“他的灵感来自东方艺术，他的风格是受东方影响而形成的。”[7] 平面性是西方艺术家们首先注意到的东方绘画的形式特征。因为不论是中国绘画还是日本浮士绘，都体现了这一显著特性。到野兽派时期，马蒂斯一直坚持走的是一条“简化”之路，因此他已把“平面表现”作为一种艺术自觉。他在绘画中采用了大量的平面单纯的色块组织画面，形成了对比、和谐且均衡的艺术效果，在平面的色彩构成中给人视觉上无限的享受。

20世纪初是西方现代艺术的发展时期，现代英国形式主义美学对后来的西方现代艺术发展产生了相当大的影响，特别是对野兽派和立体主义的影响更大。野兽派的马蒂斯在吸收塞尚艺术与借鉴东方艺术形式的基础上，他的绘画作品中表现出更多的平面单纯化、装饰化以及“有意味的形式”等特点。在构成他绘画作品的形式语言上形成了自己独特的艺术魅力。

马蒂斯于1934年在绘画笔记《信念与箴言》中写到：“当表现的手段退化至繁琐细微的细节堆砌并丧失它的造型力时，画家就必须回到组成绘画语言的基本原则上来，恢复单纯而有力量的表现手段。”[8]马蒂斯的绘画作品中不仅体现出平面单纯性、装饰性以及各种有趣味的形式特点，更重要的是这些形式完美地呈现出画家一生追求的：平衡、宁静、纯洁而幸福的精神世界。而在《马蒂斯夫人像》的处理中，已经看到这一表现方法的端倪

风花凝月 2015-5-24 18:15:12

油画《带绿色条纹的马蒂斯夫人像》作者是举世著名的法国野兽派画家马蒂斯。马蒂斯是法国盛行一时的野兽主义运动中最核心的人物，他与毕加索一起被视为20世纪法国画坛上的两位最重要的艺术家。图中这幅马蒂斯夫人像，画面十分沉静，而色彩却是典型的野兽主义画风，鲜艳、浓烈，笔法直率而粗放，画面效果很强烈。据说当时夫人身着黑衣，作者认为色彩应该用作感情的表达，主观地让夫人像“穿上”了鲜艳的红衣，甚至他还在人物面部中央用上了一道

绿色的粗线；他正是利用这条绿色的“条纹”线联系着整个画面，使画面不松散，黑色的眼和眉不过分强烈，前面的头像与绿色的背景也得以联系，它使画面中红绿两色既对比又和谐，产生了耀眼效果。另外，马蒂斯的画还讲究平面感，将画面的左侧的背景画成橙色，背景与头像之间就拉近了距离，整体使画面充满了纯绘画性的魅力

呐喊：

这套组画题材范围广泛，以讴歌“生命、爱情和死亡”为基本主题，采用象征和隐喻的手法，揭示了人类“世纪末”的忧虑与恐惧。蒙克1893年所作的油画《呐喊》，是这套组画中最为强烈和最富刺激性的一幅，也是他重要代表作品之一。在这幅画上，蒙克以极度夸张的笔法，描绘了一个变了形的尖叫的人物形象，把人类极端的孤独和苦闷，以及那种在无垠宇宙面前的恐惧之情，表现得淋漓尽致。

在这幅画上，没有任何具体物象暗示出引发这一尖叫的恐怖。画面中央的形象使人毛骨悚然。他似乎正从我们身边走过，将要转向那伸向远处的栏杆。他捂着耳朵，几乎听不见那两个远去的行人的脚步声，也看不见远方的两只小船和教堂的尖塔；否则，那紧紧缠绕他的整个孤独，或许能稍稍地得以削减。这一完全与现实隔离了的孤独者，似已被他自己内心深处极度的恐惧彻底征服。这一形象被高度地夸张了，那变形和扭曲的尖叫的面孔，完全是漫画式的。那圆睁的双眼和凹陷的脸颊，使人想到了与死亡相联系的骷髅。这简直就是一个尖叫的鬼魂。“只能是疯子画的”，蒙克在该画的草图上曾这样写道。

在这幅画上，蒙克所用的色彩与自然保持着一定程度的关联。虽然蓝色的水、棕色的地、绿色的树以及红色的天，都被夸张得富于表现性，但并没有失去其色彩大致的真实性。全画的色彩是郁闷的：浓重的血红色悬浮在地平线上方，给人以

不祥的预感。它与海面阴暗处的紫色相冲突；这一紫色因伸向远处而愈益显得阴沉。同样的紫色，重复出现在孤独者的衣服上。而他的手和头部，则留在了苍白、惨淡的棕灰色中。

画中没有一处不充满动荡感。天空与水流的扭动曲线，与桥的粗壮挺直的斜线形式鲜明对比。整个构图在旋转的动感中，充满粗犷、强烈的节奏。所有形式要素似乎都传达着那一声刺耳尖叫的声音。画家在这里可以说是以视觉的符号来传达听觉的感受，把凄惨的尖叫变成了可见的振动。这种将声波图像化的表现手法，或许可以与凡高的名作《星夜》中力与能量的图像化表现相联系。蒙克在这里，将那由尖叫所产生的极度的内在焦虑，转化为一种令人信服的抽象意象。如此，他将其画面上的情感表现几乎推向了极致。